Entrevista a Beatriz Ferreyra

Entra y descubrí esta entrevista a Beatriz Ferreyra, una eminencia en la música experimental.

Beatriz Ferreyra, una mujer que a sus 83 años tiene una mentalidad más contemporánea que muchos de nosotros.

Ella nació en Córdoba, pero reside en Francia desde el año 1961… 59 años en Europa. Durante este tiempo ha ido convirtiéndose en una de las más grandes eminencias de la Música Electro Acústica, con un importante rol en el Grupo de Músicas Experimentales de Bourges (G.M.E.B.), el Departamento de Música Electrónica de Dartmouth e incluso en el Conservatorio Nacional de Música de Paris.

En el año 1963 comenzó a trabajar con Pierre Schaeffer, famoso teórico, crítico, músico y creador de la Musique Concrete, formando parte de su GRM (Groupe de Recherches Musicales). Ella trabajó durante años allí, siendo basal en las investigaciones y con un rol enorme en la creación de música; incluso participó del clásico trabajo de Schaeffer: Solfège de l’Objet Sonore.

Poder conversar dos horas con Beatriz Ferreyra ha sido una experiencia enriquecedora, un momento que cambia para siempre tu visión del mundo.

 

Esta entrevista fue realizada por Agustín Riestra el 20/06/2020.


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Buenas tardes Beatriz, muchísimas gracias por permitirme llamarte en el día de hoy

– Hola Agustín, como estas?

Muy bien, realmente encantado de poder estar charlando con vos. Quiero agradecerte por el tan agradable intercambio de mails y permitirme llamarte.

– [se ríe] por favor, gracias a vos por el interés en mi música.

Quería arrancar felicitándote por los maravillosos lanzamientos que nos diste en el 2020, Echos + y Huellas Entreveradas. Me volaron la cabeza.

– Muchísimas gracias

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Beatriz Ferreyra – Huellas Entreveradas (2020)

Estuve leyendo en bastantes sitios que Echos + fue grabado en la década del 70. ¿Es verdad?

– Bueno, Echos yo lo hice con los grabadores en casa en 1978.

Wow, hace bastante. ¿Y cómo se dio que se lanzara tanto tiempo después?

– Echos… me han pedido mucho que lo de en conciertos. Me piden muchísimos conciertos ahora desde que tengo 80 años [risas], entonces, muchas veces me lo piden explícitamente y en otras yo misma deseo presentar Echos. Esta pieza es la voz de una sobrina mía que llegó a París en el momento en que estaba haciendo un film con una italiana, Fiorella Mariani, que se llama Homo Sapiens. Ahora el film está en YouTube, el Soundtrack lo hice desde casa, desde el 70 que comencé a trabajar desde casa. Primero con un grabador, luego dos grabadores… me ayudó mucho la gente de Bourges [Grupo de músicas experimentales de Bourges, donde forma parte del “Colegio de Compositores” desde 1975] quienes me pedían piezas.
Pero bueno, Echos lo cree cuando hacía este film para Fiorella Mariani, donde necesitaba muchos sonidos distintos; si alguna vez lo ven en YouTube van a entender por qué.

Tenía planeado preguntarte un poco más adelante sobre Homo Sapiens, afortunadamente está en YouTube y tuve el placer de ver el film hace unas semanas. Me resultó increíble lo bien que quedó el montaje entre lo visual y lo sonoro, lo cual me intrigó para saber si te lo encargaron con la película ya hecha, o lo visual se armó en base a la música.

– Si yo te cuento como hice, no me vas a creer.

A ver, contame

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Beatriz Ferreyra – Echos + (2020)

– [risas] primero te voy a terminar con Echos. Entonces yo agarraba todo lo que podía como sonido, porque no quería repetir dos veces el sonido en una hora de Homo Sapiens, quería siempre que sea una novedad, porque es lo que pasaba, no iba a poner la misma cosa.

Se nota mucho eso

– Entonces llegó esta chica, una sobrina que quería ser cantante. La grabé un poco con la guitarra, la cual tocaba muy mal, y otras cuatro piezas A capela. Dos en portugués y dos en español. Eso fue aproximadamente en el 72. En el 77 me entero que ella falleció en un accidente de moto, no sé dónde pusieron auto, pero fue moto. Al enterarme del accidente, yo tenía su voz grabada, inmediatamente supe que tenía que hacer esta compleja pieza con su voz, para que ella pueda seguir cantando. Y hace 40 años que sigue cantando.

Que hermoso y que fuerte es esto.

– Lo es. A la gente le gusta mucho ella, porque esta pieza es nada más que su voz y mis grabadores. Yo no tenía computadora ni nada por el estilo, algo imposible en esa época. Solo los micrófonos y grabadores, haciendo lo que podía [risas]

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¡Pero con grabadores lograste un montón!

– No había tanto, tenía dos monstruos que me había hecho un amigo, Jorge Agreste, un técnico que era genial y hacia todos los cachivaches para que yo pudiera trabajar. Realmente no tenía un mango. También una amiga mía que era cantante que iba por todos lados, estaba con un americano que hacía música; él un día deja los Revox, y ella se roba uno y me lo regaló [risa], después tuve que pasar uno por la aduana suiza sin que me pescaran. Iba con una amiga, dos mujeres medio boludas y pasamos de largo, pero era contrabando. La gente todavía no sabía que podían tener, entonces podían ser documentos confidenciales.
Y con eso me las arreglaba… realmente tengo una cantidad enorme de cachivaches así. Con eso hice toda mi música de esa época.

Es increíble, todo por la música… incluso el contrabando [risas]

– ¡Y bueno, no quedaba otra! Y después era cortar y mezclar, y mezclar de una diferente manera… pero no cambiar la voz de la chica. Eso era su voz, su canto, sus suspiros, todo….

Me parece maravilloso que fuiste capaz de lograr algo tan hermoso y atrapante, donde se nota que como bien decís, no se repiten los sonidos. No hay ningún momento donde parece estancarse ni nada por el estilo, sino que es muy dinámica y se pasa volando el tiempo. Te felicito mucho, lograste algo admirable.

Homo Sapiens

– Muchas gracias, vamos Agustín [risas]… Y después el Homo Sapiens… la verdad que todavía no sé cómo lo hice. Fue muy gracioso hacer este trabajo, porque Fiorella llegaba con rulo 1, porque en esas épocas eran cintas con huecos, olvídate de una computadora. Entonces, ella venía con el rulo 1, de los cuales necesitábamos 7 para hacer 53 minutos. Yo por otro lado, estaba con esta partitura enooooormeeee de Homo Sapiens, allí tengo todas las imágenes y cambios de imágenes, o sea que 2 segundos esto, 1 segundo esto, 5 segundos esto, y así… entonces con un cronómetro yo más o menos iba poniendo las músicas, iba componiendo en tres voces.
Yo tenía un grabador que estaba completamente podrido, se lo había comprado a un italiano, Henri Chiarucci, quien trabajaba en GRM [Groupe de Recherches Musicales = Grupo de investigaciones musicales, un colectivo creado por Pierre Schaeffer. Beatriz trabajó allí por muchos años]. Este grabador era mono, entonces vos dabas vuelta la cinta y copiabas. Después dabas vuelta la cinta y copiabas otra cosa, y ni siquiera podías leerlo en estudio, tenías cosas distintas en las dos caras. Así yo hice todos los sonidos de afuera, era algo super cansador. Después lo pasabas todo y no había filtro ni nada, toda una mezcla con un poco de cambio de agudos, grades y reverberación.
Yo vivía en un 8°vo piso, entonces iba al hueco de la escalera en el piso 12 y colgaba el micrófono con un cable largo y grababa sonidos. Hacía un ruido y BOOOOM, sonaba masivo. Ni siquiera era en una catedral, era usar los 12 pisos de la escalera.

Que tremenda tu inventiva [risas]

– Y así hice el Homo Sapiens, iba por todos lados con Fiorella grabando. Ella venía siempre conmigo, había que llevar material que pesaba una tonelada. Ahora… ¿quién va a hacer el montaje con la imagen?
Nadie, porque no teníamos plata para pagar a una tipa un mes entero haciendo eso. Entonces yo alquile una máquina donde tenía imagen y tres posibilidades de sonido, o sea que hice la mezcla en tres sonidos.
Nosotras nos tuvimos que ir a un lugar lejísimos para poder hacer una copia de la música, con huequitos perforada para poder ponerla en la máquina. Una odisea total y encima ahora tenía que hacer el montaje yo.  Cuando al fin teníamos las tres pistas de música e imagen me fui a Italia, porque allí era más barato hacer la mezcla.

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Entonces… llego a la RAI [compañía estatal italiana de televisión y radiodifusión] y el tipo que hace mezclas me dice que no puedo tocar nada. Yo correcta le digo “muy bien”. Me pongo al lado del técnico y comienza a hacer la mezcla, entonces arranca… a los dos minutos me dice “bueno, tome los comandos”. [risas] la terminé haciendo yo la mezcla, era imposible hacerlo de otra forma. Lo único que si hacía era que yo me entusiasmaba un poco con los potenciómetros, entonces él bajaba un poco para que no saturara, pero de inmediato me lo dio; ellos están acostumbrados a tener una cinta con música, otra con diálogo y otra con ruidos… acá estaba todo mezclado, era una composición musical.

¡Claro! Era como pasar de tocar Estrellita a Stravinsky para el tipo

– ¡Si! Estaba completamente perdido. Y bueno, eso es Homo Sapiens.

Que hermosa e increíble labor. Me diste ganas de volver a ver Homo Sapiens.

– Es que sí, tiene otro valor cuando sabes lo que fue hacerla. Cada sonido lo he buscado y tratado… gracias a dios que tenía un pequeño sintetizador que había traído Chiarucci en el 72, de contrabando también, por lo que te dije antes. Después se lo terminé comprando a poco precio, pero sonidos electrónicos prácticamente no hay. Es una pieza Electro Acústica.

Ahora quería saber otra cosa. ¿Cuándo fue que vos conociste al mundo de la música electro acústica?

– En septiembre de 1963. Yo no tenía idea de que algo así existía, solo había escuchado una pieza electrónica terrible en Buenos Aires. Yo me vine a Francia en 1961, y antes había conocido a Edgardo Cantón, un compositor argentino que estaba en el GRM y yo no sabía nada. Entonces cuando nos conocemos, yo estaba super entusiasmada, que vamos a comer, esto y aquello… Él me dice que tiene un concierto, entonces yo enseguida me sume; iba a todos los conciertos que podía, me encantaba ver todo lo que había.

Canton 1 - Juan Carlos “Tata” Cedrón, Julio Cortázar y Edgardo Cantón
Juan Carlos “Tata” Cedrón, Julio Cortázar y Edgardo Cantón

El concierto era del colectivo de Pierre Schaeffer. Allí estaba Cantón, [Luc] Ferrari, [Bernard] Parmegiani, [Ivo] Malec y no se quienes más. Ahí descubrí esos sonidos raros, y de inmediato le dije a Cantón: yo tengo que hacer esta música que tiene una visión muy lejos, algo extraordinario. Le pedí si podía entrar y me dijo “bueno, vamos a ver”. Poco después me agarró como alguien que trabaja para él.

En ese entonces todavía no estaban en la radio [GRM], era en una casa. Allí el me enseñó todo, como cortar las cintas, como se mezclan dos juntas, coordinar sonidos y cosas así. Esto ahora lo pones en una computadora y es muy fácil, pero en esa época tenías que poner una cinta de un color y empezar todo de cero, cortar justo donde querés poner el otro sonido y era un trabajo manual enorme, largo, difícil y parados en todo momento. Literalmente me tiraba al suelo con las piernas al aire [risa], pero así es como aprendí.
Pero yo solo aprendí la técnica, como cortar, pegar, grabar, que es un sonido saturado y a estar siempre con las grabaciones casi saturadas, porque de otra forma no podés mezclar, no te queda nada. Después… arréglatela. Hay veces que chicos me preguntan cómo componer, pero yo les digo: Ninguno de nosotros tuvo alguna vez un profesor, nos arreglábamos haciendo lo que pensábamos y sentíamos.
Obviamente a usar los programas necesitas ayuda, pero para componer tenes que actuar vos, y vas viendo. Si te gusta lo pones, si no te gusta lo sacas y así, buscar sonidos, tenerlo en tu cabeza y.… que se yo, cada uno tiene sus formas.

Que locura que pregunten eso, como componer.

– Es que sí, les han dicho tanto y dado tantos ejercicios que en el fondo no saben cómo componer, solo copian al profesor. Como se hacía antes, tenías a los boulesitos, los alumnos de [Pierre] Boulez; tenías a los messianitos, alumnos de [Olivier] Messiaen y así… los profesores solían tener alumnos que los imitaban. Pero con Schaeffer no había nadie, todos intentábamos componer sin saber cómo hacerlo. ¿Quién iba a decirle a quien como componer? Nadie.

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Pierre Schaeffer

Eso es glorioso, libertad total y arte en estado puro.

 

– Y es que no sabes, vas haciendo cosas que te gustan o no. Imaginas sonidos, probas sonidos, vas y buscas, grabas con la voz, con aquello, en casa y así… ahora bien, cuando yo estaba en el GRM, tenías para grabar una hora con un técnico, quien estaba de un lado y vos del otro, entonces no tenías idea de que estaba pasando con la grabación. Así que estaba este muchacho vietnamita grabando detrás de un vidrio mientras vos hacías los ruidos, sin saber cómo estaban sonando estos ruidos. Nada que ver con ahora, allá no tenías ideas de que iba a pasar, por lo cual nosotros grabábamos 20 minutos y nos íbamos para el otro lado a ver como estaba yendo la cosa… todo esto en solo una hora.
Después sino tenías un espacio de tres horas dos veces a la semana, tal vez lunes y viernes, entonces en el mientras tanto te tenías que chupar el dedo. Así es como hice las tres piezas de GRM, Médisances, Demeures Aquatiques y L’Orvietan.
Después cuando fui a Bourges cambió todo, porque cuando me pedían una pieza me daban 10 días, entonces si yo quería podía estar 10 días seguidos sin dormir.

GRM
GRM

Que contraste tan diferente

– Es un contraste tremendo, porque yo hasta que no me caía al suelo del cansancio a las 6 de la mañana, no paraba. Entonces me dormía y me despertaba para seguir 12, 14, 16 o 18 horas. Tal vez me acostaba a las 3 de la tarde y me despertaba a las 9 de la noche y seguía.

Qué maravilla que aprovecharas así el tiempo, sacándole jugo con una pasión insaciable. Y lo que habrá sido pasar de uno de esos contrastes al otro.

– Era toda una época que ustedes nunca conocieron, porque ahora con la computadora pones el sonido cuando tenes ganas.  Antes era todo manual, muy difícil y largo.

Yo adoro tanto en el cine como la música ver como se creaba en otras épocas, con diferentes medios técnicos…

– Igual esa era mi técnica, eso no quiere decir que todos los demás hicieran las cosas de esta forma. Parmegiani era muy interesado en el collage, su enfoque estaba en el montaje, pero para mí lo fundamental era la mezcla. Eran dos formas muy distintas de componer.
Yo manipulaba menos los sonidos, pero los mezclaba, hasta el día de hoy esa me parece la parte más importante en mi trabajo, pero eso no quiere decir que no haga montaje, por supuesto que también.

Pierre Schaeffer, Bernard Parmegiani at GRM
Pierre Schaeffer y Bernard Parmegiani en GRM

¿Cuándo fue que conociste a Pierre Schaeffer?

– Ahí en el 63 con Cantón, un día entré al estudio y lo conocí. Ahí estábamos cuatro personas que éramos como aerolitos, la hija de un director de orquesta; Akira Tamba, una compositora japonesa que sigue haciendo música allá; uno que desapareció que se llamaba Pomme y yo.
En un momento dado, octubre o noviembre, Schaeffer dice: “bueno, creo que son siempre estar tres o cuatro personas que dan vueltas por aquí, hay que hacer una performance para sacárnoslos de encima”, que nosotros estábamos ahí haciendo nada. Entonces eso fue muy importante porque trabajé con ellos tres y de ahí me agarra Schaeffer para el Solfege [de L’objet Sonore].
Yo no me lo esperaba, e igual cuando empezamos pensaba: voy a seguir haciendo mis cosas cuando nadie me ve [risas]. Yo pienso que en esa época estaba Bernard Baschet, quien tiene los instrumentos Baschet que son extraordinarios. Él estaba ahí y creo que fue quien le dijo a Schaeffer de agarrarme, porque hasta el día que murió me decía: “Vos sos la oreja más extraordinaria que he conocido en mi vida“, a lo que siempre le decía: “Lo que pasa es que vos me tenes cariño” [risas]. No creo que sea para tanto

Y vaya uno a saber, si lo decía por algo era.

– Y Schaeffer siempre me dijo que le encantaba la música que hacía

¿Y cómo era Schaeffer?

– Difícil… muy difícil.

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Pierre Schaeffer y Bernard Parmegiani en GRM

¿Por qué?

– Bueno… nadie lo comprendía. Es muy difícil, porque una persona que tiene ese don de cambiar el punto de vista… la gente no cambia de punto de vista, termina siempre haciendo más o menos lo mismo, pensando lo mismo, sintiendo lo mismo y diciendo lo mismo. Vos siempre te levantas del mismo lado de la cama, no cambias.
Fíjate lo que haces cada mañana: te levantas, te pones las medias, te lavas los dientes… siempre los mismos movimientos. Esto primero, después este y este… y así es como la gente piensa. Ahora él hacía todo al revés.
Esto es porque él había pasado un año y medio con [George] Gurdjieff, un tipo muy extraño. Él tenía un grupo muy raro de meditación y ejercicios. Era un maestro ruso, una suerte de Shaman extraordinario, que se había escapado de allá. Después de la guerra pasaron un año y medio juntos, donde Pierre aprendió a no ver y escuchar las cosas siempre de la misma manera, como un burrito. Es así que hizo el paso auditivo a la música Electro Acústica, comenzando a oír los sonidos de una forma muy diferente.

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George Gurdjieff

Que increíble esto, un despertar tan fuerte

– Es así, un despertar.

Cuando pienso en estas cosas, el prestar atención a todos los sonidos que abundan. De la naturaleza y de la intervención humana…

– Era muy simple, nos decía de un auto. Pasa el auto y NIAAAM, tenías el sonido ese, ahora vos podías oír un auto y nada más, o decir que es un sonido complejo con una variación, un ataque y un final. Podes oír una masa compleja, algo musical o no. Allí tenes la idea del espacio, porque viene de derecha a izquierda, y el espacio está en la música. Cuando pensás que tenes espacios auditivos cerca, manejas todos los puntos infinitos entre lejos y cerca, donde puede estar el sonido de derecha a izquierda, o incluso con mayor complejidad de arriba a abajo. Podes tener el agudo y grave como movimiento también.

Claro, las diferentes percepciones de los sonidos, y el análisis profundo de los mismos. Cuando escucho estos conceptos me recuerda a Luigi Russolo y al futurismo.

– Si, él tenía la idea de los ruidos y era muy diferente. Es una lástima que los textos de Schaeffer han sido mal traducidos al español, pero se debe a que él es muy difícil de comprender. Tenía una forma muy difícil de escribir y explicar, especialmente si no estabas metido en las obras y su producción. El asunto es que no son conceptos, sino que era una forma de entender los ataques, los finales del sonido, lo que varía y que no varía… todas las características. Una forma de aprender a oír las características de los sonidos y de dónde venían… sí es un gato, un perro, un violín… ahora Russolo juega con los ruidos, que tienen una morfología, pero él no analizaba ese punto. El veía el ruido, no la morfología de los mismos.
Los oía musicalmente, pero sin analizar sus características y formas de ser. Ahora, no sabría decir si estas cosas ayudan de forma directa a componer, pero sí a la capacidad de oír. Cuando empezaste a oír diferentemente, entonces podés componer diferentemente.

Diseños de Luigi Russolo y sus maquinas del ruido
Diseños de Luigi Russolo y sus máquinas del ruido

Claro, ahora me quedó muy claro. Una gran diferenciación que yo no tenía en mente de esta forma

– Y no… es que en el fondo esto es muy simple, pero la gente, profesores y compositores, no saben que decir y comienzan a embarullar todo. Complejizar algo que es simplemente oír y utilizar los diferentes sonidos en conjunto, con la mezcla que los alterna en cierto modo; de repente tenes una cosa extraña. Tenes un tiempo con los sonidos, una tensión o no, ataque o no, caídas… compuestos o no, varios al mismo tiempo… todo esto es una forma de pensar distinta a las notitas y después la programación.
Por lo general la gente hace muchos sonidos electrónicos, que a veces para mí son un somnífero. En lo electrónico tenes enormes limitaciones., no podés tener un perro, un gato… sí en lo Electro Acústico. Nosotros podemos componer con todos los instrumentos y sonidos existentes… conocidos y no. Todo ruido que puedas imaginar, todo lo vocal y también todo lo electrónico si te gusta. Tenemos un abanico enorme, ellos no… en lo electrónico están siempre con las teclitas y escuchas lo mismo.
Hay cuatro fuentes de sonidos que mezclas de formas infinitas… eso es la música Electro Acústica, una variación infinita… todo lo que suena. Luego obviamente, que los usen o no es otra cosa, pero la música Electro Acústica gira en torno a ese concepto.
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Hay un trabajo tuyo que me parece muy diferente en tu discografía, se trata de Jazz for Miles. ¿Como se dio eso?

– Para ese disco me contactaron unos norteamericanos, querían que proponga música para una revista de electrónica. Allí comencé a nombrar amigos míos que allá no eran muy conocidos en esa época. Pero ellos se quejaban de que faltaban 5 minutos y una pieza de mi autoría. Entonces arranqué a componer y decidí traer a Miles Davis, porque yo lo adoro a Miles. Entonces grabé algo con su trompeta y así comenzó.

Estuve escuchando y leyendo algunas entrevistas tuyas, donde mencionaste con mucha relevancia al Jazz. Como consecuencia de eso me quedé pensando ¿Te encontraste con los nuevos movimientos del Jazz cuando llegaste a Europa? Es decir, el Hard Bop, Free Jazz y ese tipo de estilos.

– Yo escuchaba muy poca música en ese entonces, iba a conciertos, pero esos artistas no solían aparecer en Francia. Generalmente me enfocaba en descubrir música que pueda ayudar a mi composición. Adoraba el Jazz y cuando lo escuchaba me encantaba, Miles Davis, Dizzy Gillespie y todos esos; pero no le seguí el ritmo a lo que apareció a partir de los 60’s.
En esa época me recomendaban mucho lo electrónico, pero me parecía siempre lo mismo. Incluso te cuento, yo cuando hago conciertos me quedo para escuchar a los otros artistas, pero los electrónicos me resultan muy aburridos. Es una media hora repetitiva que me genera sueño.
Una vez en San Petersburgo estaba junto a bastante gente joven, entonces en la primera parte hay una performance de un chico. El escenario repleto de cables y computadoras, lamparitas y.… solo se escuchaba un mismo ruidito todo el tiempo. Cuando empieza así y a los 5 minutos no hay otra cosa, te empezas a dormir. Yo que suelo estar agotada cuando tengo recitales, me dormí, pero casi a lo último me despierto. ¡Al instante la gente comienza a aplaudir, entonces me doy vuelta y miro que unos jovencitos que estaban al lado mío estaban profundamente dormidos! ¡Ellos también se duermen! Y supuestamente dicen que esto es música de la gente joven, pero yo los miraba y me reía tanto [risas]. Encima notaba que no eran los únicos

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Parece que era una obra hipnótica para dormir

– ¡Esa sería la única explicación! Y ese muchacho no es el único que hace ese tipo de cosas. Sino tenes a los que se enervan con los sonidos graves, nosotros investigamos en el ‘64 para Schaeffer, realizamos una documentación exhaustiva de todo lo que salía sobre música y sonido en Castellano, inglés, Francés, Alemán e italiano. ¿No está mal?
Yo hacía castellano, inglés, alemán y francés, pero éramos un equipo enorme investigando decenas de trabajos. Allí descubrimos que los sonidos graves te pueden destruir el cuerpo en la zona del estómago y parte baja. Hay muchos jóvenes que trabajan los medios muy fuertes para que el cuerpo vibre, yo les digo, por favor váyanse corriendo cuando ven eso. Te destruye lo pulmonar y es un riesgo enorme para los cardíacos. Después los agudos, esos te pésimo al cerebro.
Tengan cuidado. Hay incluso unas investigaciones del gobierno de Estados Unidos, quienes notaron que los primeros aviadores que usaron los aviones supersónicos, quienes se mantenían con los cascos clásicos y no con protección especial, terminaron con problemas muy graves en el cerebro. Los supersónicos, como su nombre lo dice, eran sonidos muy agudos y fuertes, sin protección apropiada eso les destrozaba el cerebro.
Cada vez que me invitan a una performance donde noto esos sonidos extremos, graves o agudos, me voy al instante. Si te quedas, te puede pasar algo… y cuando sucede, comienzan a decir que comió algo, fumó algo… es el sonido.

La gente pierde noción de lo que puede generar el sonido en el cuerpo. Que locura esto

– Si, son absurdos. Recuerdo que en 2002 estaba en Alemania con una amiga que era de la radio, ella me llevó a un lugar donde había unos chicos que se ponían bolas en las orejas para sentir las vibraciones en el cuerpo, agudas, graves y medias… no me quedé ni un minuto.
La gente ya no sabe qué hacer para sentir algo, tanto los creadores como los oyentes, pero la respuesta no es a través de lastimarse el cuerpo. No tenemos otro de intercambio.
Hay muchos que se quieren hacer los experimentales y están enfermando a la gente, y lo peor es que quienes van no están conscientes de esto. Luego comienzan a tener problemas de salud y no pueden determinar de donde vino… fue la música.
No sé si sabías, pero incluso el ruido puede matar a alguien. Hay agudos extremos, a 200 decibeles, te queman el cerebro. Tengan cuidado con lo fuerte que tocan en conciertos.

Me sorprende que no se hable tan abiertamente del peligro que implican algunas performances.

– Es que muchos no lo saben. Yo desde los 60’s que estoy consciente de esto, y he leído muchos libros años más tarde que lo seguían verificando.

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Ahora quería consultarte por una pieza tuya que fue grabada en 1968 y forma parte de los GRM Works; Médisances.

– Si, la hice en el 68. Yo no conozco donde fue lanzado, realmente desconozco mucho de mi material en cómo y cuándo comenzó a estar disponible.

¿Recordás cómo fue grabarla?

– Fue igual que casi todo lo de GRM, podía ir dos veces por semana a hacer los sonidos una hora. Si querías otro sonido preguntabas si era posible, y después jugar mucho con los grabadores y tratar de hacer mezclas. Allá también había uno o dos aparatos más para manipular los sonidos de forma diferente.
Al comienzo hay un violonchelo que manipulé con la cinta magnética, forma digital de que haga unos sonidos increíbles. También tenía sonidos de piano con un lápiz en sus cuerdas, que generaba un efecto muy raro. Y bueno, muchísimas manipulaciones con lo poco que se podía.
Después bueno, mezclar las cintas de color con los 4 o 5 grabadores, viendo como entra y sale. Terminas laburando cuatro horas para hacer un minuto y medio. Yendo hacia atrás, arrancando de cero… un trabajo muy largo.

Wow… sí, por todo lo que me has contado hoy es increíblemente largo el trabajo que tenían que hacer.

– Si, ahora le das esto a un jovencito y le pega una patada, se va a una computadora y hace un sonido electrónico. Yo misma ya no hago más de la forma vieja, salvo tal vez alguna cosa que me arreglo… igual si a mi edad no me las arreglo, no sé cuándo ¿no?

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¿Vos seguís grabando seguido?

Cuando tengo la necesidad, sí. Generalmente se da cuando estoy haciendo una obra y siento que falta un sonido en especial, que no capturé hasta ahora y está sonando en mi cabeza. Tengo archivos de cosas grabadas, pero no vuelvo a usar los mismos, tal vez alguno que tuvo un muy pequeño uso y siento que da para más. No tengo ganas de tener en mis piezas el sonido de otras, eso no funciona así. Tengo muchísimos sonidos grabados desde hace años que nunca usé.

¿Y vos trabajas cuando te proponen hacer una pieza, o hay ocasiones en que lo haces para vos?

– Bueno Echos es sin dudas una que hice para mí. Pero yo no tengo tantas, soy muy lenta para componer. Todo lo contrario, a Bernard Parmegiani, él tenía millones de piezas, yo debo tener 600 o 700. Él de conciertos tenía cientos, yo apenas alrededor de 35.
Igual retomando lo anterior, si se me viene algo por la cabeza lo hago; lo que sucede es que me piden bastante entonces termino haciendo algo para alguien.

Y después de estos dos brillantes lanzamientos en el 2020. ¿Hay algo nuevo en camino?

– Si, hay un lanzamiento en el que yo ya mandé las piezas, pero no sé cuándo va a salir. No tengo la menor idea, tal vez este año… ya veníamos charlando desde el año pasado y hace dos o tres semanas me pidieron y les envié.

Esta larga conversación, tantas mentes brillantes que conociste y como has vivido la música… ¿Quiénes han sido los artistas que más te sorprendieron a lo largo de tu vida?

– Uhh…. una lista muy muy grande.

¡Me alegra enormemente oír que así sea!

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– Bueno, de la música instrumental para mí el jefe es Johann Sebastian Bach

Mira que buena elección, Damo Suzuki de Can también me lo nombró como su número 1.

– Es un capo total. También me gustan mucho los románticos, los no románticos, los posteriores… Stravinsky y tantos más. Karlheinz Stockhausen, György Ligeti… que se yo. Son miles y miles. Además, me encanta la música japonesa, árabe… los indios del norte de Argentina, los tangos, Piazzolla… todo lo que suena me gusta.

Es precioso oír eso, que haya tanta variedad y aprecio. Me encanta cuando es así, no que se cierran y nombran a uno o dos y listo.
Ahora que nombraste a Piazzolla, vos estudiaste con quien fue también su maestra, Nadia Boulanger.

– Si! Estuve 8 meses trabajando con ella. El problema fue que cuando me metí en el GRM, yo tenía miedo de que ella me dijera de que no vaya… me equivoque. También sucedió que yo no tenía tiempo, estaba todo el día y noche en GRM.
No seguí con Nadia y nunca pude aprender a escribir música instrumental. Si me pedís que te escriba una pieza, te puedo hacer unos dibujitos, pero no sé si te van a decir algo [Risas]

Tal vez no significan nada, tal vez lo significan todo jajaja.

– ¡Si! La verdad que no sé.


 

Espero que hayan disfrutado de esta charla con Beatriz Ferreyra; una leyenda que tuvo un rol enorme para el desarrollo académico de la experimentación musical.

 

Agustín Riestra

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Los programas de Junio

Acá un resumen y fácil acceso a todos mis programas este mes!

Aquí presentes las entrevistas a Adrián Bar (Orion’s Beethoven), Pepino Wasabi (Wasabis) y Leonor Marchesi (Púrpura).

Todos los programas producidos y editados por Agustín Riestra.

Para cualquier tipo de contacto se pueden remitir a: agustin.riestra07@gmail.com

 

Solo en el Ático (episodios 11, 12, 13, 14 y 15)

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Mi programa de música sumamente variada en la Ciudad de México

 

 

 

 

 

Música del Ático (episodios 220, 221, 222 y 223)

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El enormemente variado programa que comparto con mi padre, en la ciudad de Buenos Aires.

 

 

 

 

 

Jazz in Silhouette (shows 4, 5, 6 and 7)

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My english spoken Jazz show, based in New York City

 

 

 

 

 

 

 

Entrevista a Sonny Rollins

El 14 de Septiembre del año 2019, exactamente una semana después de su cumpleaños número 89, tuve el enorme placer de entrevistar a Sonny Rollins, una de las más grandes leyendas del Jazz.
No es sencillo resumir su trayectoria e influencia en este párrafo introductorio, pero este hombre es una pieza fundamental para entender la evolución del saxo en el Jazz y el surgimiento del Hard Bop, el movimiento que catapultó al Be Bop hacia nuevos horizontes, con un grado de complejidad y belleza jamás imaginados.

Sonny, el Saxophone Colossus, es probablemente la más grande figura del Jazz que sigue en pie. El primer artista en lanzar un disco grabado en el Village Vanguard, una mente que cambió la estructura de los solos, parte de la famosa fotografía A Great Day in Harlem y una leyenda que ha colaborado con artistas como John Coltrane, Miles Davis, Thelonious Monk, Art Farmer, Bud Powell, Clifford Brown, Kenny Dorham y muchos más.

Ahora van a poder adentrarse en esta conversación de una casi dos horas que tuvimos Sonny Rollins y yo.

 


 

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Agustín Riestra: ¿Cómo fue crecer en Nueva York?

Sonny Rollins: Bueno, yo nací en el Harlem… Harlem era la parte negra del mundo, el lugar al que aspiraba llegar gente negra de todo el mundo, estar en Harlem y triunfar en Harlem. Crecí aquí y conocí a mucha gente de todo el planeta, quienes venían a visitar, quienes se mudaban llenos de sueños. Allí aprendí mucho sobre música, porque todas las grandes bandas venían a New York en algún momento, así que tuve la chance de escucharlos a todos. Era una ciudad Cosmopolita, con mucha música y un enorme accionar socio-político.

Mi abuela, ella me llevaba a las marchas por los derechos civiles desde que nací. Ya a los 3 o 4 años, estaba al tanto de los problemas políticos y sociales, todo a través de ella. Ya de niño era un gran fanático de Paul Robeson, un gran cantante y actor, quien tenía muchas ideas progresistas. Él fue uno de los tantos líderes negros de ese entonces. Además, ella solía llevarme a muchos otros lugares, como por ejemplo a las iglesias de Góspel en la Avenida Lenox de Harlem. En una de esas Iglesias fue la primera vez que escuché una trompeta, todavía recuerdo a ese tipo tocando, sonaba muy bien. Básicamente, así fue crecer en Harlem durante los años 30’s.

AR: Mencionaste que muchas bandas pasaron por New York y que había mucha música en esa época, por lo que me dejaste preguntándome: ¿viste muchos shows de Jazz durante esa época?

SR: Bueno, una vez que tuve la edad suficiente, comencé a ir a todos los lugares donde se tocaba, pero antes solía escucharlos en la radio, incluso solían pasar todos los shows del Apollo Theater, de esa forma escuché a todas las bandas. Pero una vez que fui adulto, comencé a ir a los clubes nocturnos, donde se tocaba el Jazz y donde pude conocer a todas estas personas; poco tiempo después, yo estaba tocando allí.

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Sonny Rollins y Thelonious Monk

AR: Quería consultarte, porque a algunas fuentes dicen que cuando estabas en la escuela, solías ya juntarte con Thelonious Monk. ¿Es eso correcto?

SR; Si, pero fue cuando ya estaba terminando el Highschool, cuando ya era más adulto, ahí comencé a tocar con él. Thelonious era unos años mayor que yo, lo conocí en esa época y solíamos tocar en su casa.

AR: ¿Cómo se conocieron?

SR: Fue en un lugar donde estaba tocando, tenía una banda muy joven y tocamos la misma fecha que él, quien hizo un concierto solo. Monk me escuchó y me dijo que estaba muy interesado por mi forma de tocar, después de eso comenzamos a vernos seguido. Con el tiempo, terminó presentándome a su esposa y sus padres, crecí mucho a través suyo.

 

AR: Otro tema del que me gustaría charlar es el Hard Bop. Has sido considerado como el principal intérprete del saxo en este estilo, pero quería saber si sentiste que cambiaste durante este periodo y lo plasmaste en tu música; o si sentís que siempre tocaste de esa forma y simplemente te permitiste fluir.

SR: Bueno… en cuanto al término Hard Bop, todos nosotros estábamos aprendiendo a tocar Bebop. Ese era el estilo musical de nuestros tiempos. Así que probablemente, mi forma de tocar Bebop sonó como Hard Bop para la gente, y eso se le pegó a la mayoría de las personas, quienes comenzaron a referirse a mi forma de tocar como Hard Bop. Pero en realidad, yo solamente estaba tocando Bop.  Tal vez por mi mirada y exuberancia, eso pasó a ser llamado Hard Bop, pero era Bebop.

AR: Entonces siempre fue Bebop

SR: Exacto

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AR: Realmente hiciste algo distinto a todos, ¿sabes? Tu música ha sido algo muy diferente a todo lo que sonaba, y siempre que escucho un disco de algún otro artista donde vos participas, inmediatamente reconozco: “hey, ese es Sonny””.

SR: [Se ríe] Bueno, muchísimas gracias. Lo aprecio, es muy amable de tu parte y muy lindo de escuchar, porque todos queremos tener algo propio; así que todos estudiamos a todos los demás, pero queremos saber que tenemos una cualidad distinguible en nuestra forma de tocar. Así que cuando vos me decís eso, es muy gratificante. Estoy muy contento de que digas eso, y te agradezco mucho.

AR: Y te lo digo con sinceridad Sonny, porque han sido muchas las ocasiones en que, escuchando álbumes donde no tenía idea de que tocabas, eventualmente sonaba un saxo que me hacía pensar que eras vos; y al fijarme en los créditos, efectivamente era así.

SR: Sos muy amable en decirme eso y lo aprecio, porque como dije, he vivido mi vida en la música, y por supuesto, es lo que siempre he querido hacer. Desde muy joven he querido tocar Jazz, y ahora que estoy en mi año 90, estoy muy agradecido de haber tenido la oportunidad de tocar jazz, de hacer lo que siempre quise hacer.

He tenido una vida dura, porque el Jazz no siempre ha sido tan accesible a la población en Estados Unidos, por eso era muy difícil para los músicos. Muchos de nosotros consumíamos drogas y hacíamos cosas que no eran muy buenas. Y como se suponía que debíamos estar separados de la gente, pensamos: “¿quieren que estemos separados? Bueno, vamos a estarlo”. Fue entonces que comenzamos a tomar cada vez más drogas, lo que fue desafortunado, pero a su vez hicimos muchas cosas de las que estamos orgullosos, las cuales nos distinguieron y nos separaron de la gente; en otro sentido.

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Max Roach, Miles Davis y Sonny Rollins

AR: ¿Y cómo te sentís después de tantos años? En relación a los cambios que atravesó la visión sobre el Jazz, ya que se fue convirtiendo en uno de los géneros musicales más respetados y pasó a ser tomado como una parte fundamental de la cultura estadounidense. ¿Cómo te hace sentir, en contraste a cómo eran las cosas en su época?

SR: Claro, claro… Bueno, es muy gratificante, porque no solo es lindo para uno oír eso, sino que conozco personas que dejaron sus vidas para tocar esta música, que fueron muy criticados por tocar lo que tocaban. Se me ocurre el gran gran gran, Bud Powell, un genio. Se me viene a la cabeza Charlie Parker. Ellos tuvieron vidas muy duras, porque la gente no aceptaba la música que hacían, así que cuando me decís que el Jazz es muy apreciado, sobre lo cual estoy de acuerdo con vos, me alegra. Pero no hay que olvidar que esto costó sangre y lágrimas.

AR: Son muy tristes todas esas cosas que sucedieron. Pero hay tantos otros estilos que han hecho música increíble, donde también hubo sangre y lágrimas, pero que no han sido valorados hasta ahora, y probablemente nunca obtengan ese reconocimiento. Por eso me pone contento que gente como Charlie Parker, Bud Powell, Eric Dolphy, que hayan recibido el aprecio que merecen por las genialidades que han hecho.

SR: Si, es cierto y es muy gratificante, estoy muy agradecido. Soy una persona muy espiritual, no estoy metido a ninguna religión en específico, pero tengo un fuerte sentimiento sobre la verdad universal. Creo fuertemente en el otro mundo, en la vida después de la muerte… creo que existe más que solo esta vida que estamos viviendo ahora, hay más que eso. Y cuando pienso en eso, me siento bien. Bud Powell y todas esas personas que tanto sufrieron, ahora están disfrutando en otra vida, no se donde será pero no necesito saberlo, solo sé que hay algo más.

Cuando intentas vivir una vida buena, ahí es cuando llegaras al próximo nivel de la comprensión, algo que esta más allá de nuestra imaginación. Lo que sucede después de esta vida excede nuestra imaginación, pero yo creo, lo acepto y lo sé. Hubo instancias en mi vida que me han hecho estar seguro de lo que estoy diciendo, gracias a eso puedo decir que lo sé. Y en cuanto a todas estas personas, Eric Dolphy y todos los demás, quienes vivieron sus vidas creando música, está bien, ellos están bien, porque hicieron mucho para la gente de este mundo, y donde sea que ellos estén ahora, todo está bien.

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AR: Sabes que esto me recuerda a una cita de Oscar Wilde que tengo colgada en mi pared, dice: “Al final todo va a estar bien, si no está bien, no es el final”.

SR: [Se ríe] es una muy buena frase, brillante. Amo a Oscar Wilde

AR: Desde que leí eso, siempre lo tuve en mi mente, porque cuando uno atraviesa malos momentos y se siente triste, o lo que sea, al pensar en eso las cosas se ponen mucho más positivas.

SR: Exacto! Es maravilloso, y es lo que me mantiene vivo a esta altura. Yo ya no puedo tocar el saxo, así que ahora miro a la verdad universal e intento ser un buen ser humano, absorber la regla dorada de hacer a otros lo que quisieras que te hagan a ti, o como decía Confucio, aquello que no quisieras que te sucediera, no se lo hagas a otros.

AR: Y así debería ser la vida

SR: Sí, y si no lo aprendes ahora, vas a tener que volver y aprenderlo más tarde, ahí es cuando entra la reencarnación. Volverás a algún lugar o tiempo, no sé cuándo y no es mi tema, pero se que seguirás volviendo hasta que aprendas lo que acabo de decir. Esa es la forma en la que hay que vivir, uno aprenderá eso eventualmente, y esa es la belleza del universo. La ley universal.

AR: Estoy totalmente de acuerdo, y estas conversaciones que tuvimos sobre estas personas que se fueron tan temprano, me recuerda a algo que leí y quería consultarte, es sobre uno de mis más grandes héroes, Booker Little. Se dice que ustedes vivieron juntos, ¿es cierto?

SR:  Si, nos conocimos y él era más joven que yo, un trompetista extremadamente talentoso. Él era una maravilla, un regalo divino, solíamos practicar juntos durante esa época. Y en él, me encontré con una persona muy hermosa, a pesar de no haber estado un largo tiempo juntos, pero en esas épocas en Chicago practicamos mucho. Eventualmente, yo me fui y él también, entonces su fama comenzó a crecer y tocó con mucha gente, pero perdimos el contacto. Pero en cuanto a lo que conocí, tenía un alma hermosa y lo único que quería hacer era tocar su trompeta, estaba siempre abierto a cualquier cosa positiva. Era una persona hermosa, y como dije, a pesar de no haberlo conocido en profundidad, acorde a mi experiencia, es un modelo a seguir para cualquier apasionado de la música.

AR: Es realmente algo hermoso de escuchar, y me alegra enormemente conocer que era una persona así.

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Sonny Rollins tocando en el puente de Williamsburg (New York), donde pasó un periodo sabático, tocando todos los días allí. Tras meses de hacer esto en completa soledad, lanzó su aclamado álbum The Bridge (el puente).

AR: Después de toda esta conversación espiritual, quería consultarte sobre un periodo de tu vida. Existen lapsos sabáticos en tu vida, como esos famosos años tocando en el Puente de Williamsburg, pero estoy muy interesado en lo que se considera como el segundo periodo sabático, entre 1969 y 1971, donde visitaste Jamaica e India. Siempre me pregunté cómo fueron esos años.

SR: Bueno, la razón por la que fui a India es que había estado estudiando yoga desde los comienzos de los años 50’s, y luego comencé a adentrarme en el budismo. Estaba muy interesado en estos modos de vida y de pensar; por lo que decidí viajar a India; pero antes que eso, tuve la oportunidad de viajar a Japón. Allí estudié el budismo zen, y quería ir a India, por esa razón organicé mi viaje. Simplemente agarre mi saxo, un bolso y le dije a mi esposa que volvería, que me esperara; y así me fui a la India.

AR: ¿Qué encontraste en India?

SR: Es un lugar muy interesante por su historia, y en esa época todavía no estaban tan mecanizados como fue en los 80’s o 90’s, no estaba tan globalizado u occidentalizado. Yo me quería comunicar con los aspectos espirituales, diferentes a los Yoguis europeos, quería comprender de los Sadhus, los sabios y todas esas personas. En eso me quería adentrar, estilos de vida más espirituales.
Estaba muy contento allí, solo estuve cuatro meses, pero fue una experiencia increíble. Me hospedaba en un Ashram, esos monasterios donde viven y uno tiene que hacer tareas diarias. Allí estaba un Swami/Swamiji que era el líder de este Ashram, un día charlabamos, me consulta sobre mi vida y me aconseja sobre ciertas cosas; y en un momento me destaca que la meditación es algo muy bueno. Yo le explico que cuando estaba en Estados Unidos, era muy difícil para mi hacerlo, por todos los ruidos, siempre sonaban las radios, la gente, los autos, New York no es una ciudad silenciosa; pero él me responde “Sonny, cuando tocas tu saxo, ahí es cuando vos estás meditando”. Me sorprendí muchísimo, me di cuenta de algo que jamás se me habría ocurrido.

Con mi saxo, no estaba lastimando a nadie ni robándole a la gente, con el solo podía hacer feliz tanto a las personas como a mi mismo, era algo bueno, al igual que lo que debe ser la meditación, debe abrir tu mente a otras formas de vida, más allá de lo que hacemos en nuestra vida diaria. Así que lo acepte, y volví a los Estados Unidos como una persona diferente.

AR: ¿Sonny, encontraste otras formas de meditar durante estos últimos años?

SR: Sí, por supuesto, a través de aprender. Intento aprender cada día, ser más sabio e intentar vivir a través de las cosas en las que creo. Cada día me siento mejor, aprendo todos los días y es una experiencia hermosa; incluso en los días en que suceden cosas negativas, básicamente estoy contento todos los días y cada vez soy más feliz.

AR: Eso es ser realmente sabio, aprender cada día y poder ser feliz. Estoy muy contento por vos.

SR: Estoy muy muy contento

1963

 

AR: Viviste casi toda la evolución del Jazz, por eso quería consultarte si existieron momentos en los que estuviste sorprendido por los caminos que tomó el Jazz, los nuevos sonidos que desarrollaron, por ejemplo: Modal Jazz, Free Jazz, Fusión y demás.

SR: Bueno, podríamos nombrar a mi amigo Ornette Coleman. Me encantó su música desde la primera vez que lo escuché, fue algo inmediato.

AR: ¡Yo también!

SR: ¡Que bueno! Porque a mucha gente no le gustó, o lo que sea, pero a mi me encanto. Con el tiempo nos hicimos muy amigos. Incluso su hijo, Denardo Coleman, estuvo en mi casa la semana pasada. Tuvimos un concierto dedicado a Ornette en Brooklyn hace unos años. Estuve allí y charlamos en el escenario con Ornette, frente al público; luego él tocó con muchos invitados. Esto fue filmado, pero yo nunca antes había visto el DVD, por eso Denardo me lo trajo. Fuimos muy cercanos.

AR: ¿Cómo conociste a Ornette?
SR: Bueno, primero escuché sus discos porque me los enviaron a New York desde California. Grabé un disco para el mismo sello discográfico que él, creo que fue Contemporary Records, y como dije antes, inmediatamente me encantó lo que estaba escuchando. Así que en 1967 viaje a California y ahí conocí a Ornette. Amo practicar el saxo cerca del océano, un bosque o cualquier lugar donde tenga soledad; así que aproveche la oportunidad y fuimos al océano pacífico junto a Ornette, practicamos con el agua en los pies. Recuerdo que esa fue la primera vez en que vi a su hijo Denardo, quien era tan solo un bebé, tendría dos años. Él lloraba que quería venir con nosotros, pero Ornette le decía “ohh, ya vuelvo, ya vuelvo”, al final terminamos llevándolo con nosotros. Ahí conocí a su hijo, quien ahora es un muy buen hombre, toca la batería e intenta lleva la música de su padre a Cuba y a distintos lugares del mundo, con otros músicos que quieran interpretar la obra de Ornette.

Así que, retomando a los estilos distintos de la música, me encanta todo tipo de música que consideré que es buena, amo la música. Me encanta la mayoría de la música, solo hay pocas cosas que no; pero si tiene un componente creativo, me gusta.

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AR: Esto me recuerda a una colaboración que tuviste en los 80’s, cuando grabaste con los Rolling Stones en Tattoo You.

SR: [Se ríe] Sí, grabé con ellos en Tattoo You

AR: ¿Te gustaban los Stones en ese entonces?

SR: No, no conocía mucho de los Stones. Había escuchado su nombre, pero no sabía qué tipo de música tocaban. Me imaginé que intentaban hacer algo de blues, pero de todos modos, cuando me contactaron y me pidieron de tocar en uno de sus discos, no lo consideré; fue mi esposa quien me convenció de hacerlo. Ella conocía a los Stones y creía que esto sería genial, pero yo no quería hacerlo. Sentía que el Jazz era muy superior a este tipo de música que querían hacer, nunca había escuchado sus discos, pero si su reputación. Cuando acepté la propuesta les dije: “Okey, pero no quiero que nadie sepa sobre esto”, por eso cuando se lanzó el disco, yo no estaba acreditado.

Al terminar las sesiones de grabación, Mick Jagger quería que viaje con ellos para promocionar el disco, hacer el tour con la banda, pero lo rechacé de inmediato.

AR: Grabar ya era suficiente

SR: ¡Exacto! Pero bueno, eso es lo que sucedió, y desde que salió mucha gente me ha dicho que les gustó esto y aquello, así que, si logró que algunas personas estuvieran contentas, entonces estuvo bien.

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Tattoo You – The Rolling Stones

AR: Otra pregunta que tengo, es sobre uno de los productores más legendarios en la música, Rudy Van Gelder. Existen muchas historias sobre sus técnicas de grabación y lo estricto que supuestamente era; vos grabaste muchos discos con él, quería consultarte cómo fueron tus experiencias.

SR: Rudy era muy bueno en lo que hacía. Él grabó mi disco en el Village Vanguard, el primer en vivo allí. Era una persona muy seria, intentado obtener los mejores sonidos y posicionar los micrófonos de la forma indicada. Tuve enorme respeto hacia él.

AR: ¿Era estricto con las posiciones de los músicos?

SR: Mmm, si, podrías decir que era estricto, pero en una forma agradable. ¿Entiendes? Quería asegurarse de que todo estuviera montado adecuadamente. No conozco a nadie que haya tenido problemas con Rudy o su forma de trabajar, él era un excelente ingeniero de grabación y sabía de lo que estaba hablando. Así que si quería un micrófono aquí, el saxo más alejado o algo más cerca, lo hacíamos de inmediato, porque entendíamos que él sabía lo que estaba haciendo.

AR: Y realmente lo sabía, porque sus discos suenan excelentes.

SR: Si, cuando escucho algo suyo digo: “Wow, este disco suena perfecto”.

AR: Mencionaste tu famoso Live At The Village Vanguard y eso me recordó que en el álbum tenías una banda a la mañana y otra a la tarde.

SR: Exacto

AR: ¿Por qué era eso?

SR: Bueno, en ese periodo de mi vida estaba haciendo muchos cambios, estaba buscando un tipo de sonidos, por lo que constantemente me encontraba contratando y despidiendo gente. Por esa razón, decidí tener dos bandas distintas al mismo tiempo. El Vanguard generalmente era un lugar para tocar durante el día y a la noche, no sé por qué terminamos tocando a la tarde ese día.

AR: Allí tenías a dos de los mejores bateristas de la historia, Elvin Jones y Pete La Roca

SR: ¡Si, ambos excelentes!

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AR: Retomando a los estilos musicales tan distintos que te gustan, recuerdo que en tu disco What’s New exploraste ritmos latinos. ¿Estabas interesado en ese tipo de música en ese entonces?

SR: Mmm…. What’s New, What’s New… creo que sí. No recuerdo muy bien que tocamos en ese disco.

AR: ¿Queres que te recuerde las canciones?

SR: Por favor

AR: El disco comienza con una hermosa canción de 12 minutos, If Ever I Would Leave You, después le sigue Jungoso.

SR: ¡Jungoso! La canción con el que tocaba las congas, es fantástica.

AR: El lado B comienza con Bluesongo, le sigue The Night Has a Thousand Eyes y concluye con Brownskin Girl.

SR: Oh, The Night Has a Thousand Eyes. Sabes que esa canción fue la cortina musical de un Talk Show en París. Me sentí muy halagado de que utilizaran una canción mía, porque era un show muy intelectual. Me alegra que hayas mencionado este disco, no hablaba de el hace muchos años.

What's New

AR: Me alegra que vuelvas a charlar de este disco, porque lo merece. Me gustan mucho las variadas experimentaciones que tenes a partir de Sonny Meets Hawk, un disco extremadamente distinto a este.

SR: ¡Amo ese disco! Allí toqué con mi ídolo, Coleman Hawkins. Le decían el padre del saxo tenor.

AR: ¿Escuchabas mucho a Coleman Hawkins?

SR: Muchísimo, como te dije, era mi ídolo. También me encantaba un caballero llamado Louis Jordan, quien tocaba saxo más al estilo del Rhythm & Blues; él fue la primer persona que realmente me gustaba su música, pero cuando escuché a Coleman Hawkins en 1939, por dios, y cuando escuché Body And Soul por Hawkins… ahí me dije, esto es la grandeza. Ese disco, en mi opinión, sigue siendo uno de los mejores álbumes que se han hecho.

Él estaba tan adelantado a su tiempo, su forma de tocar, sus armonías y todo… lo que toca ahí es impensado para la época. Hay muchos grandes músicos, y muchos han tocando Body & Soul, pero la sofisticada armonía que logró Coleman Hawkins no la tuvo nadie.

Sonny Rollins & Coleman Hawkins
Coleman Hawkins y Sonny Rollins

AR: Que increíble… hablando de otros artistas de esa época. ¿Te gustaba Lester Young?

SR: Ohh…. Lester Young, él era otro de mis ídolos. Sabes, no tengo muchas fotografías colgadas en mi casa, solo cuatro. Una es del Buda, otra es de Louis Armstrong y otra es de Lester Young. Amo a Coleman Hawkins y amo a Lester Young, ambos eran geniales. Ohh… cuando escuché a Lester Young, el era algo distinto. ¿Sabes que los conocí a los dos?

AR: No sabía que conociste a Lester Young. ¿Cómo fue eso?

SR: Lo conocí en un hotel donde él vivía, muy cerca de un Night Club donde yo estaba tocando. Un día al final de mi show, vamos con unos músicos a tomar algo a ese hotel y ahí estaba, Lester Young. No podía creerlo.

Mucha gente hoy en día dice “eso es cool”, cool es una palabra muy utilizada, pero Lester fue quien originó la palabra Cool.

AR: ¿En serio?

SR: Si, de verdad. Él era un tipo muy cómico y tenía muchos refranes, era una persona maravillosa. Pero sufrió de su grandeza, porque a pesar de hacer música excelente, la gente no apreciaba lo que hacía. Esa tristeza lo llevó a beber mucho; pero sin dudas fue uno de los mejores de todos los tiempos. Coleman y Lester son mi top 2.

AR: ¿E incluirías a Charlie Parker en tu top 10?

SR: Por supuesto, a Charlie Parker, John Coltrane… tal vez a Ben Webster. Y hay tantos más, Dexter Gordon, Ornette Coleman, Don Byas… hay muchos grandes. Aprendí muchísimo de estas personas, y se lo grandiosos que fueron, afortunadamente pude tocar con ellos, estoy muy bendecido.

Toqué con Coleman Hawkins, Lester Young, Charlie Parker, John Coltrane, Dexter Gordon, Don Byas, Ben Webster… toque con todos ellos.

AR: Y ellos también tocaron con vos

SR: Oh por dios [se ríe] muchas gracias por decirlo. Pero si, tenes razón. De vez en cuando pienso en ello, en todas estas personas con las que toqué, no puedo creer haber estado en el escenario o grabando con todos estos grandes hombres.

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AR: Es increíble, tocaste con casi toda la historia del Jazz

SR: Wow… tenes razón.

AR: Uno podría escribir un libro y contar la historia del jazz tan solo con la historia de tu vida, charlando de los enormes artistas que colaboraron con vos. Me encanta que aprecies el origen y los distintos periodos que tuvo el jazz. Es increíble todo lo que hicieron ustedes.

SR: Si, soy muy afortunado. Estoy bendecido de haber hecho todo esto.

AR: Estoy muy contento de que estés consciente de ello y que te alegre tanto. Muchas veces la gente da las cosas por sentadas, no aprecia las increíbles personas con las que ha trabajado o la relevancia de lo que han creado.

SR: Si, muchas gracias. Estoy muy contento.

Bueno, me tengo que ir. Cuando uno llega a su año 90, hay cosas que tiene que hacer, no solo para si mismo, sino que para otros [se ríe]. Pero hablemos nuevamente en otra ocasión.

AR: Cuando quieras, me encantaría llamarte Sonny. Ha sido hermoso hablar con vos, y me siento completamente de acuerdo con mucho de lo que hemos hablado hoy.

SR: Ohh, por supuesto, estamos de acuerdo en muchas cosas. Ha sido un placer conversar con vos, y es maravilloso darse cuenta que comprendes la verdad universal, realmente lo sabes. Conoces la verdad, y existe sólo una verdad, y vos la has dicho, y eso es todo. Solo hay una, y estás consciente de ella. Es muy gratificante saber eso.

AR: La hay, y estoy muy contento de que ambos nos sintamos igual y que estemos conscientes de ello. Y sabes que hablar con alguien que también está consciente de eso, te hace comprender más y darle más sentido a las cosas.

SR: Si, cuando platicas con alguien que está consciente, es algo hermoso. Disfrute mucho nuestra conversación, que dios te bendiga en todos tus empeños, sean los que sean, porque estoy seguro de que son positivos.

AR: Sabes, siendote sincero, la única meta en mi vida es escuchar y compartir música a las personas. Esa es mi meta, lograr que la gente encuentre cosas que tal vez nunca lo habrían hecho. Por eso amo recomendar discos a las personas que conozco, y eso me inspiró a tener un programa de radio. Pasar música, charlar de música y ayudar a que la gente encuentre algo más, que tal vez encuentren esta conexión que tengo con la música, la cual abre muchas puertas en nuestras vidas.

SR: Esa es realmente una hermosa meta, y tus oyentes son muy afortunados de tenerte pasando música hermosa para ellos.

AR: Muchas gracias Sonny, es todo para mi oírte decir eso.
SR: Llámame pronto y seguimos conversando. Que dios te bendiga y energías. Adios

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Entrevista realizada por Agustín Riestra el 14 de Septiembre del año 2019. No le he sumado ni quitado nada a los fragmentos aquí presentes.

Eternamente agradecido a Sonny por brindarme la posibilidad de tener una charla tan prolongada.


 

Para quienes estén interesados, pueden chequear programas de radio en:
https://www.mixcloud.com/agustin-riestra/

 

 

 

 

B.B. King – Singin’ the Blues (1956)

No puedo imaginar cómo habrá sonado esto a comienzos de los años 50’s.

Singin’ the Blues es el primer LP de B.B., una compilación de singles entre 1951 y 1956. El material acá es increíble.

Comienza con su guitarra gritando en Please Love Me (1953), lleno de electricidad y salvajismo.
Ahora B.B. pasa a cantar el blues con You Upset Me Baby (1954), una de las mejores canciones de esta época.
Ahora el Blues Boy trae los vientos y a su orquesta para Everyday I Have The Blues (1954). Esta canción esta muy bien grabada, una calidad de producción superior a la de otras dentro del disco.

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La cuarta canción es Bad Luck (1956). Me encanta cuando los bluesmen hablan de la mala suerte, aunque ninguno que escuché a a fecha ha superado a Born Under A Bad Sign. De todos modos, esta es una muy buena canción, y es épico como la canta. El piano es fundamental durante el track.Ahora llega el Three O Clock Blues (1951), y por dios… esto es blues realmente bueno. Una de las primeras canciones legendarias del Blues Boy, recuerdo que esta fue un hit y cuando se lo dijeron a BB no tenía idea de que era ese termino… genio. La guitarra acá es impresionante, y es el single más viejo de todo este LP.
El Lado A concluye con Blind Love (1953), una canción muy solida. como toda la primera mitad del disco. El final es excelente, tiene un tipo de conclusión que él usaría muchas veces a lo largo de su carrera.
18 minutos sin desperdicio.

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El Lado B comienza con una canción que no me encanta, Woke Up This Morning (1953). Tenía potencial de ser el tipo de canción que me encanta cantar, pero no conecté mucho con ella; los versos me parecieron aburridos. Me gusta mucho como la percusión se torna agresiva a partir del minuto, también la importancia de los vientos durante la canción, pero reitero, los versos se quedan cortos.
You Know I Love You (1952) es una canción donde el piano es el instrumento principal. Se siente como si faltara algo… probablemente la guitarra de B.B.Afortunadamente las 6 cuerdas vuelven a sonar fuerte con Sweet Little Angel (1956). De esto es lo que hablo, acá podemos sentir el potencial de esta futura leyenda del Blues.
Ahora Ten Long Years (1955) mantiene la potencia de la anterior, estos son dos de los mejores tracks de B.B. en esta época.

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Luego llega Did You Ever Love a Woman (1956), donde nuevamente B.B. tiene a su orquesta. Esta es una linda canción, me encantan los versos y como los lleva al estribillo. Lamentablemente, en la mayoría de sus discos con la orquesta, en el mixing no se escucha mucho su guitarra.
El álbum concluye con Crying Won’t Help You (1955), un blues de alto nivel, donde sigue demostrando su enorme potencial.

Lo más relevante, como siempre, es la maravillosa voz de B.B. y el salvajismo eléctrico de su guitarra. Ahora bien, el no fue el primero en aportar eso último, ya que podríamos mencionar a Muddy Waters o T-Bone Walker, pero indudablemente fue sumamente innovativo.

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ESPECIAL: Top 100 albums 2010’s [parte 5] — Menciones especiales

Bueno, ya recorrí mis 100 discos preferidos en las 4 partes anteriores, pero ahora voy a compartir con ustedes algunas menciones especiales que quedaron, álbumes que consideré para el top pero no llegaron. Sobre algunos de ellos habrá una breve descripción o comentarios:

 

  • Duster – Duster (2019) — Lanzado el 13 de Diciembre de este año, bien a lo último de todo, regresa uno de los mejores grupos de Slowcore que escuché, los maravillosos Duster. Un disco excelente y super recomendable.
  • Zonal – Wrecked (2019) — Kevin Martin… experimental.
  • Orville Peck – Pony (2019) — Alternative Country
  • Jazz Hijokaidan – Made in Japan & Made in Studio (2012) — Dos discos de Free Jazz con Noise extremo
  • Almafuerte – Trillando La Fina (2012) — Probablemente mi disco preferido de Almafuerte, superó ampliamente todas mis expectativas.
  • Slowdive – Slowdive (2017) – Un regreso después de 22 años… no es fácil; pero hicieron que pareciera así. Brillante retorno.
  • Death Grips – Exmilitary (2011)
  • Shinya Fukumori Trio – For 2 Akis (2018) — Jazz hermoso, liderado por un excelente pianista japonés.
  • 공중도둑 [Mid-Air Thief] – 무너지기 (Crumbling) (2018)
  • Piglet – Songs (2014) — Math Rock
  • Datashock – Kräuter der Provinz (2018) — Krautrock contemporáneo, cosas de World Music, Drone … de todo.
  • Matana Roberts – Coin Coin Chapter Four: Memphis (2019) — Avant Garde Jazz
  • Big K.R.I.T. – 4eva Is a Mighty Long Time (2017) — Un excelente y muy variado disco, momentos de rap y otros no tanto.
  • Deafheaven – Ordinary Corrupt Human Love (2018) — Blackgaze
  • Nick Cave & The Bad Seeds – Skeleton Tree (2016)
  • Niechęć – Niechęć (2016) – Jazz Rock Polaco – También es muy recomendable su en vivo de 2018
  • Daughters – Daughters (2010) — Joya de Noise Rock
  • Jagannatha – Jagannatha (2016) – Stoner Metal desde Francia, un disco super infravalorado
  • John Zorn – The Book Beri’ah (2018) — Avant Garde Jazz
  • Xiu Xiu – FORGET (2017)
  • John Prine – For Better Or Worse (2016) — Un disco hermoso de esta leyenda del Folk/Country/ Singer & Songwriter
  • Run the Jewels – Run the Jewels 2 (2014) — Hardcore Hip Hop
  • Fiona Apple – The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do — un disco muy cálido.
  • Earl Sweatshirt – Some Rap Songs (2018) — Experimental Hip Hop
  • Parquet Courts – Wide Awaaaaake! (2018) — Post Punk Revival
  • Swans – The Seer (2012)
  • Metá Metá – MetaL MetaL () — Vanguardia Paulista
  • Alejandro Medina – Yo Soy (2011)
  • Lingua Ignota – All Bitches Die (2017) — Death Industrial
  • Mayhem – Esoteric Warfare (2014) — Black Metal
  • Sales de Baño – Estrangulado el mundo (2014)
  • Goat – World Music (2012) — Un mix increíble de sonidos, una locura lo que hace esta cofradía Sueca.
  • Sopor Aeternus & The Ensemble of Shadows – Children of the Corn (2011) — La reina del Darkwave regresa con uno de sus mejores trabajos a la fecha.
  • Damo Suzuki & Cuzo – Puedo Ver Tu Mente (2011) — Un concierto increíble del enorme Damo Suzuki, quien fue la voz y el aura de Can.
  • Human Tetris – Happy Way In The Maze Of Rebirth () — Muy lindo disco Ruso.
  • Waka Flocka Flame – Flockaveli (2010) – Tremendas letras y lo mejor que escuché de Trap, pero la producción deja mucho que desear.
  • HOMESHAKE – In The Shower (2014)
  • Electric Wizard – Black Masses (2010) — Una de las mejores bandas de Stoner Metal y Doom Metal
  • The Soft Moon – The Soft Moon (2010) — No soy muy fan del movimiento Post Punk Revival, pero el disco de Soft Moon me parece un trabajo muy bueno.
  • The Libertines – Anthems for Doomed Youth (2015) — La hermosa banda que lideró el Garage Revival británico, Libertines, regresaron después de muchos años con este disco que tiene momentos excelentes… me encanta.
  • Sons of Kemet – Your Queen Is a Reptile (2018) — Afro-Jazz y mucha influencia del World Music… muy interesante disco.
  • Morrissey – World Peace Is None of Your Business (2014)
  • Minami Deutsch – Minami Deutsch (2015) – Psych Kraut de Japon
  • Vektor – Terminal Redux (2016) — A pesar de que ese tipo de vocales no son de mi estilo, este es sin dudas uno de los mejores discos de metal en mucho tiempo
  • Helium Horse Fly – Helium Horse Fly (2013) — Avant Garde Metal – Math Rock
  • Shabaka and the Ancestors – Wisdom of Elders (2016) — Avant Garde Jazz
  • Anna von Hausswolff – Dead Magic (2018) — Darkwave
  • Flying Lotus – You’re Dead! (2014)
  • Johnny Marr – The Comet Is Coming (2018)
  • Downfall of Nur – Umbras de Barbagia (2015) — Argentina Atmospheric Black Metal
  • Shabazz Palaces – Black Up (2011) — Experimental Hip Hop, tiene momentos muy buenos y otros no tanto.
  • 3776 – 歳時記 (Saijiki) (2019) — Un disco indescriptible… pero genial.
  • Richard Dawson – 2020 (2019)
  • Robohands – Green (2018) — Un álbum que pasó sin pena ni gloria, pero que me encanta.
  • Go-Neko! – Los malos de verdad (2010) — Un muy buen disco de la banda under Argentina, Go-Neko.
  • Elza – A mulher do fim do mundo (2015) — Vanguardia de Brasil, muy extraño este disco.
  • Dead Can Dance – Anastasis (2012) El retorno después de 16 años, un muy lindo disco
  • Dead Boys – Still Snotty Young Loud And Snotty at 40 (2017) — Re-grabar su clásico álbum debut 40 años más tarde… el disco no esta ni cerca de la genialidad del primero, pero merece una mención debido a enorme cariño que me genera oírlo.
  • Hungría – Cumbre de Nieves Perpetuas (2019)
  • Yellow Swans – Going Places (2010) — Noise // Drone
  • Sales de Baño – Geometría del vínculo (2019)
  • The War on Drugs – Lost in the Dream (2014)
  • Grouper – A I A: Alien Observer (2011) — Ambient Dream Drone
  • Binker and Moses – Alive in the East? (2018) — Nu Jazz
  • Rustin Man – Drift Code (2019)
  • Matthew Halsall & The Gondwana Orchestra – When the World Was One (2014) –Avant Garde Jazz
  • The Caretaker – An Empty Bliss Beyond This World (2011)
  • Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra – Fuck Off Get Free We Pour Light on Everything (2014) — Post ….
  • Matana Roberts – Coin Coin Chapter Two: Mississippi Moonchile (2013) — Avant Garde Jazz
  • Nicolas Jaar – Space Is Only Noise (2011)
  • The Brian Jonestown Massacre – Revelation (2014)
  • St. Vincent – Strange Mercy (2011) — Art Pop
  • Deafheaven – Roads To Judah (2011)
  • Peter Evans Quintet – Ghosts (2011) Avant Garde Jazz
  • Deathspell Omega – Paracletus (2010)
  • BADBADNOTGOOD – IV (2016)
  • 1000mods – Super Van Vacation (2011) — Muy buen Stoner Rock desde Grecia
  • The Roots – Undun (2011)
  • Cult of Luna – A Dawn to Fear (2019)
  • Phantom Horse – Phantom Horse (2012) — Proyecto Datashock
  • Yussef Kamaal – Black Focus (2016) — Nu Jazz
  • Altar of Plagues – Teethed Glory and Injury (2013) — Atmospheric Black Metal // Post Metal
  • Hailu Mergia & Dahlak Band – Wede Harer Guzo (2016) — Ethio Jazz
  • Joanna Newsom – Have One on Me (2010)
  • Ill Considered – Ill Considered (2017) — Avant Garde Jazz
  • Ariel Pink’s Haunted Graffiti – Before Today (2010)
  • The Brave Little Abacus – Just Got Back From the Discomfort—We’re Alright (2010) — Uno de los mejores discos del Midwest Emo
  • Nick Cave & The Bad Seeds – Push The Sky Away (2013)

 

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ESPECIAL: Top 100 albums 2010’s [parte 4]

¡Pueden escuchar la cuarta y última parte de mis discos preferidos de la década! Debajo les dejo el link para escuchar cada disco.

En el orden que fueron nombrados:

  1. https://open.spotify.com/album/1O7nX69NEMqAEzKu5m2Kho
  2. https://open.spotify.com/album/1yIqauTni1V7l7djYAKSsZ
  3. https://open.spotify.com/album/5NCdiiTgky5PbjmCtcgwtn
  4. https://open.spotify.com/album/2mvz0NPBCPTbSEgRViuDLK
  5. https://open.spotify.com/album/4Carzsnpd6yvuHZ49I0oz8
  6. https://open.spotify.com/album/5EUAl341bOrY661zcYD2iV
  7. https://open.spotify.com/album/20U1UWeGcGq7JVW0tf8yfH
  8. https://open.spotify.com/album/3WN75H6NactRxv3MbSXxxT
  9. https://open.spotify.com/playlist/2dATTcKZK0rXUilvpnCTRz?locale=es
  10. https://open.spotify.com/album/69dtvmEbd0xejAVrqOuzDO
  11. https://open.spotify.com/album/4yqm0ZLcphXs8M8cVvLKym
  12. https://open.spotify.com/album/0tW455SpputB3fiss2Wv0H
  13. https://open.spotify.com/album/7ErSMqOB05MvbEaChLgMWu
  14. https://open.spotify.com/album/6PBZN8cbwkqm1ERj2BGXJ1
  15. https://open.spotify.com/album/2dIGnmEIy1WZIcZCFSj6i8
  16. https://open.spotify.com/album/4m2880jivSbbyEGAKfITCa
  17. https://open.spotify.com/album/5tfE6qGj0QJXsK7FCWJc4D
  18. https://open.spotify.com/album/5Hfbag0SsHxafx1SySFSX6
  19. https://open.spotify.com/album/790MeSzafcgXNCoY2AagnP
  20. https://open.spotify.com/album/22LKdgY3vLsAsWrOafwCM3
  21. https://open.spotify.com/album/5zi7WsKlIiUXv09tbGLKsE
  22. https://open.spotify.com/album/1sJzod7aGgZwu2ShYec8GQ
  23. https://open.spotify.com/album/3OnXkM3qNaABUR3vgb4i5O
  24. https://open.spotify.com/album/37xhiE1VILzJtoc9Ezjg6L

 

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ESPECIAL: Top 100 albums 2010’s [parte 3]

¡Pueden escuchar la tercera parte de mis discos preferidos de la década! Debajo les dejo el link para escuchar cada disco

**Aclaración** había puesto una foto del álbum homónimo de Tigers Jaw, pero me enteré que la versión con esa portada fue editada en 2010, pero que en realidad la primer edición del disco es del 2008, por ende tuve que cambiarlo.**

 

En el orden que fueron nombrados:

  1. https://open.spotify.com/album/6Pc63VawOQ70tNJ8VQsRGf
  2. https://open.spotify.com/album/3iZfDyeiFYjzUizV1ggP5i
  3. https://open.spotify.com/album/76gklSD363XsZ0YlfusDLc
  4. https://open.spotify.com/album/2nkto6YNI4rUYTLqEwWJ3o
  5. https://open.spotify.com/album/01U2G02pbK0IcIOMW0j3Dn
  6. https://open.spotify.com/album/3LnS0XKSzd2TFoagESGUw3
  7. https://open.spotify.com/album/64BDVizsgNdQ1CWeMrh4P7
  8. https://open.spotify.com/album/4ivhhmkb8Lj9aEgjDysgEc
  9. https://www.youtube.com/watch?v=FAWl6YeCN_w
  10. https://open.spotify.com/album/7D2NdGvBHIavgLhmcwhluK
  11. https://open.spotify.com/album/0U8DeqqKDgIhIiWOdqiQXE
  12. https://open.spotify.com/album/18doqXfbCTpyz1PeO3d4eB
  13. https://open.spotify.com/album/6yqZZpDNeqNTPsk0fH2Pi7
  14. https://open.spotify.com/album/5ijfqLdImnssCRX5Gah0xW
  15. https://www.youtube.com/watch?v=eWfVkz39ybk (para escuchar el disco entero, escribanme a Musica Del Atico en Facebook)
  16. https://open.spotify.com/album/1S5FP0ZGG6XGOIdL8OsrZB
  17. https://www.youtube.com/watch?v=NpVZrbjrb5Q (para escuchar el disco entero, escribanme a Musica Del Atico en Facebook)
  18. https://www.youtube.com/watch?v=Uz17SRTl0M8&t=344s
  19. https://open.spotify.com/album/569ly0dw4OcEFcXQcivUMY
  20. https://open.spotify.com/album/2VRbf914JFe94E5tHumySe
    Del disco Dream Of Liquid de Mandog no encontré nada online, pueden escribirme.
  21. https://open.spotify.com/album/3qhe1rCL3GcwCebco99KWX
  22. https://www.youtube.com/watch?v=VwQCj3wE0TU
  23. https://open.spotify.com/album/0A7dXsu3QAMbs2Wu0FUdF4
  24. https://open.spotify.com/album/35QvDKN3TUg5CbKeHKjKho
  25. https://makeachangekillyourself.bandcamp.com/album/oblivion-omitted

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ESPECIAL: Top 100 albums 2010’s [parte 2]

¡Pueden escuchar la segunda parte de mis discos preferidos de la década! Debajo les dejo el link para escuchar cada disco

 

En el orden que fueron nombrados:

  1. https://open.spotify.com/album/1pyIYnwE5fvCUOofffwZm0
  2. https://open.spotify.com/album/2kKXGWaCEl06EKZ4DxBJIT
  3. https://open.spotify.com/album/07bIdDDe3I3hhWpxU6tuBp
  4. https://open.spotify.com/album/5XpEKORZ4y6OrCZSKsi46A
  5. https://open.spotify.com/album/30TQdSDE0cgaC7zcbfzIZX
  6. https://open.spotify.com/album/4WtvNVR7QeHUZGtHth9zND
  7. https://open.spotify.com/album/6d1hIoW2Xvv7n33kAQV8nG
  8. https://open.spotify.com/album/1PQDjdBpHPikAodJqjzm6a
  9. https://open.spotify.com/album/0EaJARlHPWOIXs5cnsUhuN
  10. https://youtu.be/6mtziseFEKo
  11. https://open.spotify.com/album/7i8NW72gbhfvCPIKx4RWLN
  12. https://open.spotify.com/album/6sSNM2yGp1jPKUEwhPldmm
  13. https://open.spotify.com/album/0lc9lN6gwQ4RMmB8TCWoXG
  14. https://open.spotify.com/album/43uErencdmuTRFZPG3zXL1
  15. https://open.spotify.com/album/2GBJg7nTQs3go1w24ECKvy
  16. https://open.spotify.com/album/4asqk3fQcMzQsOtQjZ5hdi
  17. https://open.spotify.com/album/53VKICyqCf91sVkTdFrzKX
  18. https://open.spotify.com/album/14LuwckQuyWIvVlKrYuLzP
  19. https://open.spotify.com/album/5A7FiOCDUXfcccNcDmbdKo
  20. https://open.spotify.com/album/06S2JBsr4U1Dz3YaenPdVq
  21. https://open.spotify.com/album/3j21GO4l4W0w7hdF8JVPmo
  22. https://open.spotify.com/album/5oQCJg8xx7JOYRSa9E1gV9
  23. https://open.spotify.com/album/38zYQjUvLCnJvnx1lN9rN8
  24. https://open.spotify.com/album/2xJFvV7JzoYYMere5rqjVf
  25. https://open.spotify.com/album/2NYnAb4TkXGHrY8wZ9uZwT

 

ESPECIAL: Top 100 albums 2010’s

Para ir cerrando la década, decidí hacer un especial con lo que considero que fueron los 100 mejores discos de los 2010’s.
Obviamente es un listado subjetivo, e incluso deje casi 50 discos que consideré pero no terminaron quedando en el top (los cuales más adelante compartiré con ustedes). ¡Ojalá la disfruten y encuentren algo que les llame para escuchar!

¡Podes escuchar los discos en los links a continuación! En el orden que los nombré:
1 – https://open.spotify.com/album/2w1YJXWMIco6EBf0CovvVN
2 – https://open.spotify.com/album/4dq7JNcHKrnozzFQg5bpmn
3 – https://open.spotify.com/album/20r762YmB5HeofjMCiPMLv
4 – https://www.youtube.com/watch?v=1-AYygKRoQI
5 – https://open.spotify.com/album/1oHUngg3flG4Zda1Ukp8vP
6 – https://open.spotify.com/album/1gW6HFsyxaG3GV4uEo48FW
7 – https://www.youtube.com/watch?v=TfgG8dbFxeM
8 – https://open.spotify.com/album/21wg2jYkGO5RcnU2CV2a2s
9 – https://open.spotify.com/album/3e7vtKJ3m1zVh38VGq2g3H
10 – https://open.spotify.com/album/30bTXMxsMsYn7QbwmDW3rj

11 – https://open.spotify.com/album/4N5iqXMXJUZMUzhxDqYQxp

12 – https://open.spotify.com/album/6pwuKxMUkNg673KETsXPUV

13 – https://open.spotify.com/album/0lWu5HtJXEeN31vgHaHpmC

14 – https://open.spotify.com/album/5gxoKngxrfPdm8BPlsnB5m

15 – https://open.spotify.com/album/7bDxnaImZCM2TJbsI1gMVi

16 – https://riotseasonrecords.bandcamp.com/album/the-ripper-at-the-heavens-gates-of-dark

 

17 – https://open.spotify.com/album/7ycBtnsMtyVbbwTfJwRjSP

18 – https://murmuure.bandcamp.com/album/murmu-re

19 – https://www.youtube.com/watch?v=zFWXCb44rjM&t=1095s

20 – https://open.spotify.com/album/5p64XgvFREt1P6mC7Xl6XN

21 – https://open.spotify.com/album/3WvQpufOsPzkZvcSuynCf3

22 – https://open.spotify.com/album/26DseQO366JfXwIP7dIgQj

23 – https://open.spotify.com/album/4ygyND85sM13LJdH75qR2v

24 – https://ailanthusrecordings.bandcamp.com/album/transversal-worldwide-shopping

¡Leí 24 en lugar de 25, un error mio!

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Entrevista a Traveler

Antes de comenzar a traducir la entrevista, quería contar un poco sobre Traveler. Ellos son una banda canadiense y este 22 de febrero del 2019 lanzaron su álbum debut, un impresionante disco de metal sobre el cual hice una reseña recientemente.

Su debut me sorprendió muchísimo, y por eso decidí escribirles y arreglamos una entrevista. A continuación, leerán mi charla con los músicos de Traveler. Lo que sí, les aclaro quiénes son los miembros de la banda, como contexto a ciertas respuestas:

  • Chad Vallier – Batería
  • Matt Ries – Guitarra/Bajo
  • Toryin Schadlich – Guitarra
  • JP Abboud – Vocalista
  • Dave Arnold – Bajista en vivo

 

Por último, quiero agradecer a los muchachos de Traveler por su tiempo e interés en realizar esta entrevista.

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Agustín: Personalmente creo que muchos de los últimos lanzamientos de Metal y Hard Rock han tenido una enorme reminiscencia a artistas del pasado. ¿Como ven ustedes a la actual escena del Metal?

CHAD: Siento a la escena cada día mejor. Está regresando a un estado en el que las bandas son apreciadas por su capacidad musical y calidad para escribir canciones. También hay mucha más diversidad en estilos, en lugar de una carrera para ver quien elabora el nuevo sonido preponderante. Hay tantas bandas llenas de talento que están apareciendo, estamos muy felices de poder formar parte de todo esto.

MATT: Yo también me siento muy contento, el Under está creciendo cada día. En nuestra ciudad llego una explosión de bandas influenciadas por la vieja escuela del metal. Tal vez es una señal de que se está tornando en una tendencia, pero intento verlo de forma positiva.

 

Agustín: Siento que, en tiempos recientes, los subgéneros extremos del metal han crecido en popularidad por encima del Metal más clásico. Cada año veo más lanzamientos de Black Metal y Death Metal, habiendo llegado a una mucho mayor popularidad que en los 90s.

¿Sintieron algo parecido mientras intentaban hacerse un nombre en la industria?

MATT: Supongo que eso depende de a donde estés mirando. Intento focalizar mi atención lejos de eso. Quiero enfocarme en que bandas inspiradas por el metal tradicional están teniendo mucha exposición hoy en día.

Aun así, no creo que jamás haya una escasez de Black/Death Metal. Pero quiero remarcar que amo el viejo Death Metal, aunque prefiero el metal clásico, y por eso toco este estilo de música.

TORYIN: Creo que el alcance de las bandas de Metal Extremo se debe a que prácticamente hay una saturación de nuevas bandas de Death y Black Metal. Aun así, también veo que las bandas con un enfoque al metal tradicional han tenido mucho mayor éxito que los géneros extremos (al menos aquí en Canadá). Pero esta masividad no se compara a la que hubo en los 80s.

 

Agustín: ¡Ahora hablemos un poco de su nuevo disco! Este fue lanzado por el sello italiano, Gates of Hell Records. ¿Cómo sucedió esto?

CHAD: No tengo la menor idea… simplemente recibí un texto de que habíamos firmado.

MATT: En realidad tuvimos el interés de varios sellos previo a que la banda fuese un grupo completo, eso explica como Chad recibió el mensaje jaja. Estábamos en una buena posición como para decidir cuál era la mejor discográfica para firmar, y dado que JP tenía experiencia con ellos, parecía la mejor opción. Realmente no podríamos estar más contentos con ellos, nos tratan muy bien. ¡Gracias Enrico y Brígida!

 

Agustín: En un contexto donde muchas bandas optan por plataformas digitales, me alegra mucho que hayan lanzado el álbum en formato físico. Incluso tiene su edición en vinilo.

¿Cómo se sintió ver su trabajo plasmado en un disco?

CHAD: Fue la mejor sensación del planeta. Este fue mi 5to disco, pero el primero lanzado en vinilo. Sostener ese disco por primera vez y pensar en todos los increíbles discos que tengo en mi colección me dejo sin palabras… algo difícil de lograr. Fue una emoción increíble.

MATT: ¡Maravilloso! Trabajamos muy duro para lograrlo. Poder tener en tus manos lo que cosechaste es una sensación que jamás impagable.

TORYIN: Poder ver tu trabajo plasmado en un vinilo es fantástico, yo colecciono LP’s así que ver el mi trabajo en este formato es muy satisfactorio.

 

Agustín: ¿Como fue el proceso de grabar el disco? ¿Habían ya compuesto todas las canciones, o algunas fueron creadas dentro del estudio? ¿Y estuvieron ustedes a cargo de la producción, o la discográfica les brindó uno?

CHAD: En su mayoría, las canciones ya estaban todas escritas. Cuando comencé a hacer mis canciones en AB Studios, simplemente teníamos que arreglar ciertas partes de batería en las que no habíamos trabajado mucho antes. Pero fue muy breve y simple. El productor del disco Tony Blaine, un hombre genial. Él genera un ambiente muy relajado, por lo que no sentís la presión cuando llega el momento de ponernos serios.

MATT: Tardamos un poco en arreglar ciertos detalles, para que las cosas fueran como teníamos en mente. Mucho del trabajo fue hecho entre Chad y yo, en mi atolondrado cuarto para tocar.  ¡Allí practicábamos las canciones acompañadas de una batería electrónica! jajaja. Una vez que Chad le puso ritmo a esto, todo fue muy fácil. Lo que sí, no vi el sol durante un tiempo.

 

Agustín: ¿Cuánto tiempo tomó grabar el disco?

CHAD: Siendo sincero, no mucho. Creo que comenzamos a grabar en agosto y ya para noviembre estaban listos para el mixing.

MATT: Yo grabé todas las guitarras y el bajo en mi cuarto musical. Simplemente fue cuestión de encerrarme por un tiempo. Toryin y Dave estaban en el proceso de entrar en la banda cuando comenzaron las sesiones de grabación. Nuestra banda está dividida en 3 ciudades, por lo que nos tomó más tiempo de lo que esperábamos. Creo que en total fueron 3 meses. Creo que Chad simplemente tardó 8 horas de estudio para grabar la percusión del disco.

 

Agustín: Note que, en la foto de portada de su página de Facebook, uno de ustedes usa un cinturón de Judas Priest. Mientras escuchaba el disco, pensé en que ellos eran una de sus principales influencias. ¿Estoy en lo correcto?

CHAD: Tal vez… digo, son una buena banda… pero no como para hacerse un tatuaje… es una mentira… tengo un tatuaje.

MATT: ¿Quién no está influenciado por Judas Priest?

 

Agustín: ¿Que otras bandas fueron importantes influencias para su sonido?

CHAD: Obviamente hay una gran influencia New Wave, bandas como Riot y Cloven Hoof. Los solos de Toryin me recuerdan por momentos a Randy Rhoads, lo cual es mucho decir.

MATT: Obviamente estamos influenciados por Iron Maiden. También depende de lo que estuve escuchando en ese momento. Riot y Cloven Hoof son una constante, pero también aparecen cosas de Deaf Dealer, Mercyful Fate, Cutty Sark, Pat Travers, ZZ Top. Hay una constante rotación.

 

Agustín: Las bandas que se me vinieron a la cabeza mientras escuchaba el disco fueron Mercyful Fate, Judas Priest y Iron Maiden. ¡Espero no estar muy equivocado!

MATT: ¡¡Estás en lo correcto!!

CHAD: Cualquier banda de Metal tradicional que no nombre a Maiden o Priest son cualquier cosa.

 

Agustín: La primera canción se llama Starbreaker. Cuando leí el nombre, pensé que podría ser un cover de Judas Priest, pero inmediatamente noté que no era el caso.

¿Por qué se llama así?

CHAD: Ese era el nombre original de la banda. Pero luego nos enteramos que Tony Harnell ya había licenciado el nombre y no estaba interesado en vender los derechos del nombre, así que tuvimos que seguir adelante. Siento que Traveler nos queda mejor. Y otra cosa, las referencias a (Judas) Priest no se acabarían nunca si nos habríamos llamado Starbreaker, y aunque los amemos muchísimo, queremos crear nuestro propio legado.

MATT: Tenía la idea de mezclado las condiciones de la humanidad hoy en día con ciencia ficción espacial, donde un ser galáctico vendría a destruirnos. Más que nada inspirado por escuchar demasiado a Neil Degrass (un famoso astrofísico norteamericano). Una enorme conspiración de aliens. Es muy gracioso escribir ridiculeces así.

 

Agustín: ¿Y cómo surgió el nombre Traveler?

MATT: Como dijo Chad anteriormente, nos ganaron con el nombre y teníamos que conseguir uno nuevo. Fuimos pensando nombres, y después de unas cuantas cervezas nos conformamos con Traveler. Se mantiene fiel a la temática de la letra de Starbreaker, y queremos explotar esa referencia aún más en el futuro. Al principio estaba algo enojado con toda la situación, pero ahora siento que este nombre fue lo mejor.

 

Agustín: Ahora en relación a la estética de la banda, me encantó esa criatura gris en la portada del álbum y en su demo. ¡Me recuerda a las películas de David Cronenberg!

¿Planean tener una criatura, así como mascota para la portada de sus álbumes?

CHAD: Jajaja…si, nuestro amigo Dylan (Barstad) hizo un impresionante trabajo con el arte de tapa. Salió a la perfección.

Todavía no estamos seguros, primero tenemos que encontrar las vibras del siguiente álbum.

MATT: Tener una mascota sería muy divertido, aunque por ahora no puedo garantizar nada. Pero puedo asegurarte que me encanta la idea

 

Agustín: Leí que estarán tocando en Alemania pronto. ¿Será su primer show fuera de Norteamérica?

CHAD: Será mi primera vez, sí. Para serte sincero, esto será una locura. He querido tocar en ese festival por años, es una de esas cosas por la que trabajar durante años y sobre la que bromeas con tus amigos… pero eventualmente sucede, y te quedas asombrado sin poder creer que está sucediendo.

MATT: ¡También será mi primera vez! Es un sueño cumplido para nosotros. JP ya es un veterano en este festival jaja, pero estamos muy entusiasmados. También estoy ansioso de tomarme unas cuantas cervezas alemanas.

TORYIN: ¡Tocar en Alemania será la primera ocasión en la que toque afuera de mi ciudad natal! Es una oportunidad maravillosa.

 

Agustín: ¡Ojalá eventualmente toquen en Sudamérica!

CHAD: ¡Por supuesto, tenemos muchísimas ganas de tocar allá!

MATT: Si se llega a presentar una oportunidad, la tomaremos sin dudarlo.

 

Agustín: ¿Tienen más canciones escritas? ¡Porque estoy con muchas ganas de que saquen un nuevo disco!

CHAD: Todos tenemos algunas ideas, pero todavía no materializamos nada. Nos estamos enfocando en los shows que tenemos a continuación e intentando disfrutar del debut antes de volver a lo serio. Pero no te preocupes, no vas a tener que esperar mucho para que salga nuevo material. Estamos muy motivados para seguir trabajando en esto.

MATT: Tengo muchas cosas en mente, no puedo esperar para trabajarlo con la banda. Todos podemos colaborar, ya que ahora es una banda armada. Tengo muchas ganas de ver que podemos hacer, más que nada por unos planes que tenemos sobre el próximo lanzamiento, acompañados de alguien muy especial. Quisiera decir más, pero ya te vas a enterar.

 

Agustín: Ahora para concluir la entrevista quería hacerles una pregunta personal.

Si tuvieran que ir a vivir a una isla, sin acceso a internet o radio, pero podrían llevar la discografía de un artista. ¿A quién elegirían?

CHAD: W…A…S…P…

MATT: ¡Maiden!

DAVE: Iron Maiden

JP: Priest

TORYIN: Van Halen

 

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