Discos semana 7 de Mayo

Los discos que escuche enteros o casi enteros (mínimo el 75% del disco) en estos últimos 7 días.
Me pareció interesante hacer este tipo de cosas semanalmente.

Siempre se aceptan sugerencias de música para escuchar!

Los discos:

semana 7 de Mayo
Dummy – Portishead (quede sumamente impresionado con este disco, fascinante este trabajo trip hop con arreglos de cuerdas y una atmosfera oscurisima)
Creation a child – Corpus // Este álbum de la olvidada banda de Texas, Corpus, es realmente fascinante. Me tiene encantado desde hace meses.
Campo di Marte – Campo di Marte // El único, pero legendario, disco de la banda progresiva italiana, Campo di Marte. Lanzado en 1973, es un disco impresionante. De lo mejor de la música italiana.
Tantor – Tantor // El primer disco de la banda progresiva argentina, Tantor, conformada por Hector Starc, Rodolfo García y Machi Rufino (mi bajista preferido del rock nacional), es uno de mis álbumes preferidos a titulo personal. Un maravilloso álbum, realmente único. Invitados: Leo Sujatovich y Lito Vitale.
The Baby Huey Story – Baby Huey // Lanzado en 1971 por Curtis Mayfield, este es un retrato póstumo del enorme cantante que fue Baby Huey. Fallecido en 1970 sin lograr grabar, este disco retrata las sesiones de lo que iban a ser su disco, musicalizadas por el propio Mayfield y sesionistas. Destaco la canción Running y los covers de California Dreamin’ y A Change is Gonna Come.
Screamadelica – Primal Scream // Esta maravillosa obra de la banda escocesa de Bobby Gillespie es una maravilla. Adelantado a su tiempo, y catalizador de incontables artistas y géneros. Un disco maravilloso.
AVG – Average White Band // Otra banda escocesa, este disco de la banda funky y R&B es muy bueno. Tiene mucho groove y muy buenas voces.
Acquiring The Taste – Gentle Giant // El segundo disco de la banda inglesa, con una discografía casi perfecta. Un genial disco, con un estilo muy particular.
A un millón de años blues – Carca // El segundo disco del gran y único Carca, mezclando muchos géneros y con un sonido único, este es un músico espectacular. Principe oscuro es un clásico que no me canso de escuchar.
Hinten – Guru Guru // Otro segundo disco, este es el de la banda alemana Guru Guru. El trío alemán conformado por Ax Genrich, Uli Trepte y Mani Neumeier, hace una gran mejora desde su disco debut UFO, y maneja un sonido único que cambiaría a incontables bandas. Bo Diddley es el track que destaco de este maravilloso álbum.
Axymoron – Ax Genrich // Este genial disco de Ax, guitarrista de Guru Guru, es un viaje a lo largo de su vida musical. Desde su niñez con el skiffle, el rock n roll con una versión en alemán de Sweet Little Sixteen, versiones en vivo de clásicos de Guru Guru, tracks de su grupo RIF e impresionantes tracks solistas, este es un viaje maravilloso.
Future Days – Can // Esta semana tuve el placer de sumar otro disco de Can (y de Kraut) a mi colección de vinilos. El último disco con Damo Suzuki, un trabajo jugando mucho con el ambient, y alejándose del sonido de los anteriores 3 discos.
Black Sabbath – Black Sabbath // El primer disco del metal, y mi álbum preferido del género. Un disco que cambió todo para siempre.
Fugue State – Vulfpeck // Un disco con muchos instrumentales, funk y groove. Grabado en 2014, es un lindo hallazgo este grupo.
Estrelicia – Luis Alberto Spinetta // El unplugged de Spinetta no es ni de cerca uno de mis discos preferidos suyos, pero lo puse mientras viajaba durante la semana. Los temas inéditos son muy buenos, y hay versiones geniales. Lo que si, creo que la grilla de temas pudo haber sido un poco mejor.
Countdown to ectasy – Steely Dan // Uno de mis discos preferidos de una de mis bandas preferidas, con una influencia jazz enorme y una variaciones constante en el estilo de sus canciones, este disco es una experiencia maravillosa.
On the corner – Miles Davis // Chick Corea, Herbie Hancock, John McLaughlin y Michael Henderson, que podría salir mal? Absolutamente nada, este es un disco de 10 puntos de Miles, donde experimenta con el jazz fusión, tocando texturas funky de manera inolvidable. Gracias por tanto.
Tobimasu – Hako Yamasaki // Esta semana tuve el placer de descubrir la maravillosa música de Hako Yamasaki, una vocalista y guitarrista japonesa de la década del 70. Este fue por ahora el disco que más disfrute.
Tsunawatari – Hako Yamasaki // Otro disco más de Hako.
Mink, Rat or Rabbit – Detroit Cobras // Esta banda de garage tuvo un concepto fascinante, tomar canciones de artistas sumamente olvidados de la década del 50 y 60, reversionados de formas increíbles. Este es su disco debut, lanzado en 1998, muy bueno.
Pappo’s Blues Vol. 2 / Pappo’s Blues // El segundo disco del Carpo, de la mano de Black Amaya, Carlos Pignatta y Luis Gambolini, este disco es una aplanadora de comienzo a fin. Los primeros cuatro discos son inmejorables.
Uoiea – Carca // Otro disco del glamuroso y psicodélico artista argentino, Carca. No tenía muy bien escuchado este disco suyo, y realmente quede encantado con ponerlo de comienzo a fin. Muy bueno y recomendable. Que preciosura esta locura y Bailarín son dos tracks preciosos.

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Discos para recomendar

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Discos que vengo escuchando bastante últimamente y recomiendo a los más curiosos:
Kanguru – Guru Guru // Una joya del Krautrock, uno de mis álbumes preferidos, y de las mejores performances que he visto por parte de un trío (como se vio anteriormente en sus dos primeros discos, UFO y Hinten)
Watashi Dake? – Keiji Haino // Un disco sumamente complicado e inmersivo, una obra maravillosa muy complicada para entrarle. Recomiendo auriculares, una tarde tranquila, y dejarse llevar. El comienzo es bastante complicado de seguirle el ritmo, con la voz agobiante de Haino, dejando muchísimas emociones mientras grita. Una joya para pocos.
Son of a bitches brew – Acid Mothers Temple & the Melting Paraiso U.F.O // Uno de mis discos preferidos del legendario grupo japones AMT. Este trabajo es uno de sus mejores, con tracks muy variados y una impresionante performance del invitado, y luego miembro constante en muchísimos álbumes que siguieron, Mitsuru Tabata.
Boogie With Canned Heat – Canned Heat // El segundo álbum del grupo de blues norteamericano y primero con el baterista Fito De La Parra. Este es mi disco preferido de los legendarios chicos boogie.
American Dollar Bill – Keep Facing Sideways, You’re Too Hideous To Look At Face On — Keiji Haino & SUMAC // Muy diferente a su disco debut que presente antes, este trabajo de Keiji Haino es uno de sus mejores discos a la fecha (y mucho más accesible). Con el grupo SUMAC dando una suerte de base rítmica para el disco, dan lugar a que (como siempre) Haino pase al frente y haga lo suyo.
Tago Mago – Can // En 1971, el grupo alemán, Can, creo un disco más allá de todo lo que se conocía y conoce. Un disco único, donde vemos sonidos que serían utilizados décadas más tarde y donde es muy complejo encontrar alguna influencia que hayan tenido para crear esto. Probablemente el álbum más importante del Krautrock.
Pataphysical Freakout MU!! – Acid Mothers Temple & the Melting Paraiso U.F.O // Otra fascinante obra del grupo psicodélico japonés, AMT. Este disco tiene muchos dejos de blues, tiene algunos toques étnicos muy particulares, cantos extraños y obviamente, psicodelia a gran velocidad.
Mothership Connection – Parliament // Uno de los dos grandes grupos de George Clinton, Parliament, lanzó en 1975 una de sus más grandes obras funky y humorísticas. Un disco con un groove constante que te hace mover la cabeza.
Opal – Embryo // Describir como Krautrock a Embryo no es lo correcto. A pesar de poder encajar en esa categoría, el grupo es mucho más que eso. Tomando música del mundo, incorporando un saxo demente y un sonido único, este grupo alemán se ha convertido en uno de los más grandes de todos los tiempo. Su debut, Opal, es una obra fascinante e inconseguible. Recomiendo también sus discos Rocksession y Embryo’s Rache
Mingus Ah Um – Charles Mingus // Uno de los más grandes discos de jazz jamas hechos, este disco de 1959 por el fascinante Charles Mingus, fue un antes y un después. Considerado como “post bop”, con partes de Be-Bop (o más bien Hard Bop) y Avant Garde, este trabajo redefinió el jazz.
Beginning To Fall In Line Before Me, So Decorously, The Nature Of All That Must Be Transformed – Nazoranai // Tercer disco de Keiji Haino en la lista, este trabajo junto a Stephen O’Malley y Oren Ambarchi muestra las tantísimas facetas que puede tener Haino. Un trío que suena salido de otro universo. Un álbum de dos canciones, Parte 1 y Parte 2, es una obra para poner en un alto volumen y deleitarse.
Blue Lines – Massive Attack // Considerado como el origen del Trip Hop, este disco de Massive Attack es una perla. Con sonidos fascinantes y una influencia inmensurable, ellos cambiaron el camino de muchos músicos lanzando este disco tan cool.
Double Heads: Legendary Live Yaneura Shibuya, Tokyo 1980-1981 – Les Rallizes Dénudés // El legendario y enigmático grupo japones, Les Rallizes Dénudés, es una banda de culto para los fanáticos de la psicodelia japonesa. Realmente no se cuanta gente los conoce, pero hay muchos que buscan sus tantísimos bootlegs (ya que jamás tuvieron un lanzamiento oficial en sus casi tres décadas de carrera, debido a que no les parecía que capturaba la esencia de la banda). Estos recitales de 1980 y 1981 capturan mucho de la banda, y la transición hacia un sonido distinto en la década del 80, comparado con el más tranquilo del 70.
Moanin – Art Blakey & The Jazz Messengers // Mi disco preferido de los mensajeros del jazz, una impresionante lección de jazz nos deja el baterista Art Blakey y su banda. Grabado en 1958, da pie a los nuevos caminos que tomara el jazz.
Country Life – Roxy Music // Una banda muy infravalorada es Roxy Music, y este disco, es una absoluta joya. Influencia para incontables artistas, que intentaron replicar sonidos de aquí a su manera (como por ejemplo, David Bowie), este disco de 1974 muestra todo lo que puede hacer el grupo de Bryan Ferry y Phil Manzanera, coqueteando con el pop y el avant garde.
Screamadelica y Give Out But Don’t Give Up – Primal Scream // Dos discos icónicos del grupo de Bobby Gillespie, Screamadelica marco el sonido para incontables artistas hasta el día de hoy, mezclando house, techno, gospel y tanto más. Por otro lado, Give Out, producido por el gran y único George Clinton, es un mix de glam, rock, fiestas y melodías extrañas. Discos muy amplios con sonidos distintos.
Suddenly Like Flames – LSD March // Un grupo oscuro y muy extraño, en este disco elabora un álbum muy crudo y aterrador. La guitarra en este disco es fascinante, y es por lejos mi álbum preferido de este grupo. Dato curioso, la banda se bautizo LSD March por una canción del primer grupo que nombre aquí, Guru Guru.
Q: Are We Not Men? A: We Are Devo! – Devo // Un disco esencial para comprender una parte del post-punk y de la New Wave, Devo marco el sonido de las bandas que iban a venir después. Con un disco debut producido por Brian Eno y David Bowie, esta joya de 1978 tiene enorme relevancia.
Wake of the Flood – Grateful Dead // Una preciosa y relajada obra de los chicos de Jerry Garcia, este sexto álbum de 1973 es una de las mejores obras en el estudio de ellos. Con canciones como Mississippi Half-Step Uptown Toodleoo, Eyes of the World y Weather Report Suite, es sumamente recomendable para conocer más de la banda.
Everybody Knows This Is Nowhere – Neil Young // El segundo disco de Neil Young es sin lugar uno de mis preferidos. Distanciandose de un disco introvertido y folk-rock como su debut, aquí deja su guitarra fluir. Un disco icónico y vital para comprender la carrera del canadiense. Contiene uno de mis temas preferidos de el, Cowgirl In The Sand.
Kingdom Come – Sir Lord Baltimore // Un disco lanzado en 1970, es uno de los álbumes más importantes en la creación del metal. Ese mismo año Black Sabbath lanzo el primer disco del metal, pero el de S.L.Baltimore es un mix muy peculiar. Es más bien hard rock, y deja un sonido que luego sería tomado en tantísimos géneros, como el Stoner. Un trio impresionante.
One With The Universe – Samsara Blues Experiment // Un grupo stoner moderno muy interesante. Una banda fascinante, para poner bien fuerte y rockear.

The Preztel Logic Show #1 // Update

Disculpen mis queridos seguidores por la inactividad estas últimas semanas, prometo hacer una nueva entrada muy pronto.

Este último mes tuve el placer de realizar múltiples entrevistas, que en la brevedad serán incluidas en esta página. Además, de presenciar el Lollapalooza 2018 en Buenos Aires (cuyo último día tristemente fue cancelado, perdiendo la chance de presenciar a artistas como Emmanuel Horvilleur, David Byrne, ZoeLos EpiritusAuroraLCD Soundsystem, y principalmente, a Pearl Jam).  Pronto incluiré una nota dedicada a las bandas que presencie en este festival, y la experiencia del mismo.

Además, tuve el placer de comenzar un show radial en ingles, The Preztel Logic (además de mi programa en español, Música Del Ático, del cual pueden encontrar toda la información en la pagina principal de este WordPress, y aún más en la de Facebook ).

Aquí les adjunto a los curiosos el primer programa de The Preztel Logic, con música muy variada que puede llegar a gustarles! Blues, Rock, Jazz, Krautrock y cosas más allá de las categorías!

El debút perfecto – Led Zeppelin (1969)

1969 fue un punto de quiebre. No solo es el final de una década, sino que fue uno de los años dónde mejores discos se lanzaron. Álbumes con una enorme influencia en lo que veríamos la década siguiente.


Los Beatles lanzaron uno de sus mejores discos, Abbey Road, The Who su rock-opera Tommy, Captain Beefheart el legendario y bizarro Trout Mask Replica, King Crimson lanzó su maravilloso debut. Por otro lado, The Stooges debutaron con su disco homónimo, dando luz al auténtico proto punk, Miles Davis (una vez más) cambiaba al jazz con el lanzamiento de In A Silent Way, y hay aún más discos fascinantes lanzados durante este año; pero la cita de esta tarde es un grupo que lanzó durante este año su primer y su segundo disco, en poco tiempo pasaría a la historia como una de las formaciones más legendarias de todos los tiempos, y como un grupo realmente único, estamos hablando de Led Zeppelin.
Jimmy Page, John Paul Jones, Robert Plant y John Bonham, 4 músicos de otro planeta.

Ahora, hay que poner énfasis en lo que nos tiene reunidos, este legendario álbum.

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Led Zeppelin – 1969

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Colocamos el disco en la bandeja y comienza a girar, ahora hay que apuntar con precisión donde bajar la púa. Una vez hecho esto, el silencio inicial se quiebra con un riff de guitarra, acompañado de la batería. Incluso hoy,  a casi 50 años de su lanzamiento,  no toma mucho tiempo en que notemos que esto es algo distinto. La estructura de la batería es espectacular,  y rompe el acompañamiento clásico. La impresionante voz de Plant, con esos fantásticos agudos, es algo que uno no puede pasar por alto; ni hablar de la guitarra de Jimmy, quien suena como 3 si fuese 3 personas. Good Times Bad Times es la primer canción que nos da esta increíble banda.

Algo que muchos suelen pasar por alto, pero nosotros debemos destacar, es el intratable bajo de John Paul Jones. El estribillo nos da una dosis de adrenalina como para saltar y poguear, que cierra con una fantástica sección de bajo. La sección despues del estribillo es preciosa, tomando una enorme influencia del blues, pero que quiebra hacia otro estribillo donde notamos el sonido único de Led Zep.
Después del estribillo, Jimmy destruye la guitarra en un frenético solo, que deriva a otro estribillo, y despues un puente impresionante. Es bestial lo que hacen los 4 en esta canción,  que cierra repentinamente con un fade off, dejándonos ansiosos por mas.
Es entonces que una hermosa guitarra acústica nos lleva a una divina canción dónde Robert se llevará todos nuestros aplausos, Babe I’m Gonna Leave You.
La melodía casi que nos hace caer lágrimas,  y ni hablar la emoción de Plant. La banda hace su aparición en una potente sección previa al estribillo, el cual es una daga al alma. Las energías que transmite la canción son impresionantes.
Hay un break un tanto psicodélico, pero entonces llega la banda con toda la potencia posible. Retomando después a una sección acústica, donde Paige maneja de forma preciosa las melodías, da lugar a que Plant haga sus increíbles aullidos.

Es imposible no mover la cabeza en las secciones movidas de la canción, con la banda sonando mejor imposible. Realmente 6 minutos y 42 segundos mágicos.

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De esta preciosa canción nos vamos a You Shook Me, introducida por una fantástica guitarra que deja en claro que esto es un auténtico blues. Podemos notar la ductilidad de Robert Plant, cambiando su forma de cantar en las 3 canciones, y siempre haciéndolo a la perfección. Este blues es algo precioso, si no te gusta, es difícil que te guste el género.
El piano sintetizado que suma John Paul Jones le da un toque impresionante a la canción,  al igual que la armónica y la violencia con la que Bonham golpea la batería. Más no podemos pedir de estas 4 bestias.
Después de una sección de gritos de Plant, la banda da un breve final. Repentinamente el bajo toma control de la música, con una guitarra sonando de forma maravillosa al fondo, y así es como comienza Dazed And Confused.
Sin lugar a dudas, una de las mejores canciones de todos los tiempos, la fuerza que tiene el blues espacial en el que se basa la canción es muy fuerte, y ni hablar cuando la guitarra pasa al frente violentamente, un sonido desquiciado.

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Lots of people talking, few of them know

Después de un largo puente, la batería corta todo con un ritmo frenético, que lidera a la banda y permite a Jimmy ejecutar un maravilloso solo de guitarra, una suerte de jamming alocado que nos parte la cabeza. La canción retoma con el riff, y volvemos a la estructura psicodélica y repetitiva, cautivante e hipnotizante.

La voz de Robert Plant a los gritos es tan buena,  que puede seguir transmitiendo fuerzas después de esa increíble sección que tuvimos antes. La canción finaliza, y con ella el Lado A de este impresionante álbum. Tendrá influencias, pero es algo completamente distinto a las cosas que se habían compuesto hasta ese día.

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Uno se para y levanta la púa, da vuelta el disco y coloca el Lado B, un comienzo peculiar con un extraño órgano que da inicio a Your Time Is Gonna Come.
La estructura cambia, y entonces el bajo y una acústica lideran, con una batería marcando el ritmo y el Hammond al fondo. Una preciosa canción, que nos relaja después de tanto rock n roll. Al fondo, más adelante en la canción, parece sonar una steel pedal guitar, que le da un toque maravilloso a la canción.

Con la canción aún sonando, comienza Black Mountain Side. Este breve track instrumental tiene una percusión muy distinta a lo que hemos visto durante el disco, y tenemos la acústica sonando de forma encantadora. Posteriormente, Jimmy quiebra un poco la armonía, haciendo sonidos únicos con su guitarra. El final es algo repentino, de la nada surge un riff de guitarra eléctrica, uno realmente increíble.
La batería lo acompaña, y luego llegan los gritos de Robert Plant. Esta canción que nos hace mover la patita se llama Communication Breakdown. El estribillo es perfecto, la guitarra alocada y los agudos. Después de un segundo estribillo, tenemos un solo de guitarra que parte nuestras cabezas al medio, que sigue incluso durante el tercer estribillo. Un fadeoff acaba con esta canción, que al igual que con la primera del disco, rogamos que continúe.
La secuencia que tuvimos en la primer canción, ahora se repite, una bestial dosis de adrenalina es seguida por una canción más relajada, donde Plant se destaca muchísimo, y la banda nos toca el alma, ahora es el turno de I Can’t Quit You Baby.
Este blues, dónde no podemos pedir más de Jimmy, y que tiene una performance vocal perfecta, es algo mágico, variando entre cool y relajante, con notas altas apasionadas, es algo maravilloso.

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Pronto Jimmy tiene pie a un solo, momento que aprovecha al máximo,  tocando con la enorme precisión a la cual nos tiene acostumbrados, y mostrando su alma “bluesera”. No podemos evitar tocar la guitarra en el aire con esta canción, (y con todo el disco).
La canción termina y tenemos un ritmo cool, algo jazzeado, acompañado por el salvajismo de la guitarra de Page. La voz surge y dice el titulo de la canción,  How Many More Times.

Esta será la última canción del disco, y la más larga del mismo. Los próximos 8 minutos y medio son algo maravilloso. La banda tiene una potencia impresionante, nos deja maravillados y preguntándonos lo que habrá sido presenciarlos en vivo durante esta época.
Esta es una de las mejores canciones de la banda,  realmente imparable y apasionada, con un riff increíble, solos de otra galaxia y una batería que parece que tuviera de bombo nuestros cráneos.  Escuchar fuerte este tema, realmente es una sensación maravillosa.
La canción hace un falso final, para seguir con una sección de percusión, ambientada por sonidos extraños de la guitarra al fondo. La voz de Plant se hace presente, el ambiente se torna denso, y nos atrapa progresivamente cada segundo. Hasta que quiebra, la guitarra y el bajo nos alejan, llevando a que Plant tome protagonismo, solo para que la banda vuelva a explotar con sus impactos más fuertes que un martillazo.
Volvemos a la estructura del comienzo, un riff inmejorable y todos sonando al 100%, hasta que un outro de guitarra nos da una muy triste noticia; el álbum ha terminado.

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Así concluye este maravilloso viaje de 44 minutos y 52 segundos. Hay muy pocos discos que realmente son un 10 sobre 10, pero este definitivamente es uno.
Para nuestra fortuna, la banda no tardó ni siquiera un año en lanzar su segundo disco, otro impresionante álbum (que eventualmente se ganará una entrada en este blog) que dejó en claro que Led Zeppelin sería algo de lo que jamás nos olvidariamos.

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What is this that stands before me? – Black Sabbath – 1970

Si hablamos de unos muchachitos de Birmingham llamados The Polka Tulk Blues Band, dudo mucho que alguna persona le suene como algo que escuchó antes. Tampoco si les mencionamos el grupo Earth.

Pero esos jóvenes ingleses, pronto se convertirían en los padres del metal como lo conocemos, y cambiarían su nombre hacia algo un poco más adecuado, Black Sabbath.

Esta tarde vamos a recorrer el primer disco de Black Sabbath, una aplanadora de 38 minutos que cambiaría a música para siempre.

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Black Sabbath – 1970

¿Cómo describir el impacto del debut de esta banda? Realmente fue la puerta a un mundo de horror, y el tema inicial lo deja bien en claro.
Escuchamos una tormenta, las gotas caen, los truenos retumban y una perturbadora campana golpea. Es una inmersión hacia un lugar oscuro, al terrorífico bosque que nos muestra la portada del disco.

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Es entonces que una guitarra distorsionada rompe el silencio, acompañado del bajo maldito de Geezer Butler y una percusión impresionante, que pasa después a parecer parte de un ritual oscuro. Luego llega una diabólica voz, una voz aterrada de algo más oscuro de lo que nuestra imaginación es capaz.
Las palabras se tornan progresivamente más aterradoras y paranormales, al punto de rogarle a dios por ayuda.
Viene un ritmo de guerra de la guitarra, que nos recuerda a secciones de bajo que años más tarde haría Steve Harris (bajista y líder de iron maiden). Luego de una sección instrumental, llegan otros gritos de Ozzy, a los que le sigue la guitarra de Iommi, que ejecuta un legendario solo lleno de distorsión, llevando a un outro absolutamente épico para esta impresionantes canción, una de las mejores jamás escritas.

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Cierra así el primer tema, y entonces tenemos una armónica extraña, pero entonces llega la banda para acompañarla con gran violencia. Esta canción es The Wizard. La batería es algo de otro mundo, impresionante Bill Ward en esta canción. La voz de Ozzy aparece,  siguiendo con la temática paranormal de este disco. Una voz perfecta para lo que quiere representar el disco.
Esta canción me encanta, y realmente desde que presencie en vivo a Acid Mothers Temple, banda japonesa que abrió su recital con un cover fuera de este mundo de la canción,  quede aún más enamorado de este impresionante track. Una de las mejores canciones de Black Sabbath, y todo fanático debe ver la versión que ejecutan estos chicos al final de The End, la película que muestra el último recital de la banda, y no solo eso, sino que también una breve sesión en estudio días después de su último recital.


Una vez terminada,  una fuerte guitarra abre Behind The Wall of Sleep. La canción es impresionante, donde todos se siguen luciendo al máximo. Desde que pusimos la púa, la música no bajo esta tremenda fuerza que transmite, ni hablar para la época.
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Un outro de batería con fadeoff nos quita de la canción, y entonces hay un buen solo de bajo por parte se Geezer Butler, el cual deriva a que comience un riff impresionante al que la banda se suma, y esto es N.I.B.
Estos 4 temas no permiten que dejemos un minuto de tocar la guitarra, el bajo o la batería en el aire,  y mover la cabeza al ritmo de la música.
El solo de guitarra es otra muestra clara del enorme guitarrista que es Tony Iommi.
Años más tarde en entrevistas, los chicos de Black Sabbath contaron que intentaban replicar el efecto de las películas de terror, atraer a la gente con la oscuridad y el miedo,  y en perspectiva, podemos certificar que lo lograron de forma perfecta.


Ahora una guitarra acústica muy oscura abre Sleeping Village. Con un comienzo relajado y aterrador, pronto la guitarra eléctrica la lleva a una sección instrumental que sigue esa misma temática. Después, la batería lleva a un jamming impresionante, donde Iommi se lleva nuevamente los oídos  y aplausos de todos.
Sin que lo notemos, cierra y comienza Warning, una canción cargada de bestiales versos de Ozzy y la banda sonando a la perfección, como en todo momento. Está increíble canción dura mas de 10 minutos, y es uno de los grandes tesoros de Black Sabbath que muchos pasan por alto. El bajo de Geezer suena muy bien al fondo, dandole un toque maldito impresionante.
A los 4 minutos 40 aproximadamente, comienza otra gloriosa sección de “zappada” de la banda, un jamming glorioso. Lo que debería sonar en ese momento está banda en vivo.
Iommi se deja llevar en un extenso solo, uno realmente remarcable. Hasta que a los 9 minutos comienza otra sección más de la canción, con la banda liderada por el bajo. Entonces regresa Ozzy para otro verso y estribillo más,  para terminar esta sublime canción.

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Finalmente, el disco concluye con Wicked World, una canción para headbanging constante. Este disco es el nacimiento oficial del Metal, y de mucho más, de un mundo más oscuro y terrorífico dentro de la música. Si, había músicos como Arthur BrownScreamin’ Jay Hawkins, artistas con shows muy visuales y basados en el terror, pero muy lejanos a la oscuridad y maldad que habitan este disco.


Este recorrido se hizo acorde a la edición estadounidense del disco, cuyos tracks son:

Lado A

  • Black Sabbath
  • The Wizard
  • Behind the Wall of Sleep
  • N.I.B.

Lado B

  • Wicked World
  • Sleeping Village
  • Warning

Mientras que la edición inglesa es:

Lado A

  • Black Sabbath
  • The Wizard
  • Behind the Wall of Sleep
  • N.I.B.

Lado B

  • Evil Woman
  • Sleeping Village
  • Warning

A raíz de esto, debemos hacer un stop en Evil Woman, un cover de Crow que realizó Black Sabbath en su debut. Esta canción tiene un estilo que recuerda un poco a canciones que haría años más tarde Deep Purple, o al menos lo hace a mi. Una canción con mucha onda, un buen solo de Tony, como siempre. Aún así, prefiero por lejos Wicked World que esta canción.


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Lo he dicho muchas veces, pero es algo en lo que hay que hacer énfasis, es impresionante como suena Black Sabbath en este disco. Es un álbum maravilloso, personalmente mi preferido de la banda, y probablemente del metal/hard rock o como quieran catalogar esta joya.

Las letras y las armonías que genera Geezer Butler son una de las partes más importantes del grupo, también la batería de Bill Ward, quien hace su mejor performance en este increíble disco. También debemos destacar al “príncipe de las tinieblas”, Ozzy Osbourne, quien en este álbum encarna un demonio. Y finalmente, al enorme guitarrista que es Tony Iommi, un hombre al que hay que respetar muchísimo, quien a pesar de haber perdido las puntas de dos de sus dedos de la mano derecha trabajando en una fabrica de laminas de metal, optó por seguir intentando. Para esto, colocó cubiertas de plástico en sus dedos dañados, comenzó a utilizar cuerdas de banjo (las más ligeras) y bajó la afinación de sus cuerdas, todo esto le posibilitó tocar la guitarra; aunque tuvo que aprender a hacerlo como un zurdo, a pesar de que era derecho. Esta tragedia terminaría siendo algo bueno para Iommi, ya que estos factores cambiarían el sonido de su guitarra, y este nuevo sonido sería  basal para el sonido del heavy metal.


Uno no tiene que olvidarse del contexto al escuchar este álbum, hay que pensar en lo poco que había de este estilo, que no es un detalle menor.
Recomiendo fervientemente los 5 primeros discos de Black Sabbath, este, Paranoid, Master Of Reality, Vol. 4 y Sabbath Bloody Sabbath; una época maravillosa que cambio el camino de la música.


Sin lugar a dudas, una de las bandas más importantes de todos los tiempos, un grupo con una de las mayores influencias de todos los tiempos, responsables directos del Doom Metal en su totalidad, y de prácticamente todas las ramas del metal.

Un antes y un después.

British Heavy Metal Group Black Sabbath

 

 

 

Stand Up … for Jethro Tull

En 1969, un impresionante año para la música, el grupo ingles Jethro Tull, que ya había lanzado un disco debut con un mix entre el blues y una temática de cuentos folclóricos ingleses. Ahora, un año despues, lanzaba un segundo disco que marcaría a la banda, y a la música, para siempre. Stand Up.

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Primero destaquemos los enormes discos lanzados en 1969, el clásico Abbey Road de los Beatles, el legendario debut de King Crimson, los dos primeros de Led Zeppelin, la rock opera Tommy por The Who, el enigmático Trout Mask Replica de Captain Beefheart, Hot Rats de Frank Zappa e incluso los debuts de las bandas proto punk MC5 y The Stooges. Estos y muchos más fueron los discos que se lanzaron en probablemente el mejor año de la historia de la música; pero ninguno fue similar a esta majestuosa joya de los muchachos de Blackpool.


Este grupo inglés estaba formado por:

  • Ian Anderson – vocalista, flauta, guitarra acustica, organo, piano, mandolina, balalaika y productor.
  • Martin Lancelot Barre – Guitarra eléctrica y flauta en “Jeffrey Goes to Leicester Square” y “Reasons for Waiting”.
  • Glenn Cornick – Bajista
  • Clive Bunker – Batería y percusión.

ZZZZ


Tal y como habíamos comentado al comienzo, el debut de Jethro Tull, This Was (1968), había sido un disco cargado de mucho blues y algo del folclore inglés; pero el vocalista Ian Anderson quería alejarse un poco de blues y crear un nuevo sonido. Esta decisión del cantante llevó a que el guitarrista original, Mick Abrahams, decidiera irse de la banda por diferencias artísticas. Abrahams formaría la banda Blodwyn Pig.

A partir de esto, Jethro Tull se encontraba en búsqueda de un nuevo guitarrista, una de las opciones que barajaron fue  David O’List (ex miembro de The Nice), Mick Taylor (quien al final opto por continuar junto a John Mayall,y años más tarde se convertiría en un Rolling Stone) y  Tony Iommi, quien estuvo poco tiempo junto a la banda, ya que luego decidiría volver con su banda Earth en Birmingham … está luego pasaría a llamarse Black Sabbath. 

Luego de que Tony dejara la banda, la banda tomo a otro joven que había hecho una espectacular audición, un muchacho que terminaría formando parte de todos los demás discos de la banda, Martin Barre.


A pesar de que la influencia folk es bastante grande, y de que representa un sonido muy distinto a todo lo demás, Jethro Tull todavía tiene una gran influencia del blues este álbum. Aún así, el ahora liderazgo absoluto de Ian Anderson, tanto para la música como las letras, lleva a que la banda entre en una nueva etapa.

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Ian Anderson

El disco comienza con un frenético blues, canción que se convertiría en un clásico, A New Day Yesterday. La banda es salvaje, una batería sumamente potente, una guitarra que explota, el bajo que lidera la harmonía de la canción. Además tenemos una armónica de Ian Anderson que le cambia el tinte a la base, además de su tan particular voz, y todo esto sumado a un fantástico solo de flauta que mete en la canción.

De aca nos vamos a Jeffrey Goes to Leicester Square, una canción con sonido muy distinto a la música que tenemos acostumbrados. Una guitarra sintetizada, percusión constante acompañando, una voz rara que pone Anderson y la flauta al fondo. Esta es una de mis canciones menos preferidas del disco.

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Una vez concluida, tenemos un auténtico “clásico”, un legendario arreglo de la canción de Johann Sebastian Bach, Bourée.

Esta versión algo jazzeada, con una flauta absolutamente legendaria, es algo realmente único en el universo del rock. La banda acompaña de forma espectacular, hay un pequeño solo de bajo, además de un acompañamiento increible, y una batería que lleva toda la canción de forma perfecta.

Es algo que realmente sorprende descubrir que Ian Anderson aprendió a tocar la flauta nada más unos meses antes de grabar esta maravillosa canción.

Realmente es historia este tercer track de Stand Up, y una canción que jamás falta en los repertorios de la banda.

 

Entonces llega un sonido más similar al del rock, con una muy buena canción titulada Back to the Family. Esta canción tiene un cambio espectacular entre los versos y el estribillo, es una de mis preferidas de la banda. Además de que cuenta con un solo de guitarra increible y una flauta espectacular. El outro es realmente épico, con un fade-off mientras la banda suena realmente “al palo”.

Tenemos una linda canción acústica en Look into the Sun, un preciosa modo de cerrar el Lado A de este álbum. Más tarde, la eléctrica se suma, realmente es una canción espectacular.


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Jethro Tull en vivo – 1969

Para abrir el Lado B llega un híbrido blues y jazz, Nothing Is Easy. Esta canción es espectacular, con un bajo muy fuerte y bueno, la guitarra quebrando el molde de la canción, y haciendo un solo sublime, y una batería a todo lo que da. Hay un muy buen solo de guitarra y flauta, una canción completisima y de lo mejor de esta enorme banda.

Tras el jamming del final, cierra esta espectacular canción y una percusión nos mete en la extraña Fat Man. Esta canción es uno de los primeros (y pocos) casos en los que una banda de rock usa una mandolina. Esta canción realmente no la he comprendido muy bien nunca, y es mi menos preferida aca.

Entonces comienzan a sonar unos acordes ¿es esto un cover de Hotel California? No, son 7 años antes de que The Eagles escribiera esa canción, esto es We Used To Know. Esta es mi canción preferida del disco, una preciosa melodía acompañada de Ian Anderson cantando de forma hermosa y haciendo un solo de flauta muy memorable. Una vez terminado ese solo, Martin Barre tiene su turno para un fantástico solo.

La poesía de esta canción es impecable, el último verso es precioso, y entonces nuevamente se alza la guitarra para un segundo solo, realmente magnífico.

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Tras esta épica canción, tenemos la preciosa canción Reasons for Waiting. Acústicas, un teclado y la flauta son los componentes principales de esta bella canción; sumados a la bella poesía de Ian Anderson.

Y entonces llega el fin del espectacular disco Stand Up, para cerrar el Lado B tenemos la caótica For A Thousand Mothers.  Con este espectacular jamming, una muestra clara de la enorme capacidad de esta banda, finaliza uno de los mejores discos de Jethro Tull.


Y así concluye nuestra travesía alrededor de este espectacular disco que es Stand Up, un trabajo fascinante que cambiaría el rumbo de esta banda, llevando a siguientes trabajos como Benefit, Aqualung, la obra conceptual Thick As A Brick y más adelante Heavy Horses.

Ojala hayan disfrutado de esta entrada y travesía alrededor del mundo de Ian Anderson y compañía; y le recomiendo a quien tenga la oportunidad, de ir a verlo en vivo a Ian. Tuve el enorme placer de presenciar dos recitales suyos estos últimos años, y realmente está en un nivel altísimo, la banda es fantástica y suena mejor que desde hace años. Una experiencia única presenciarlo, ágil como en su juventud y siendo el increible performer que conocemos.

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Un viaje hacia el universo de Invisible

En el día de cumpleaños de Luis Alberto Spinetta, prócer del Rock Nacional, analizamos esta obra maestra, el debut de Invisible.

Hoy, 23 de enero, es una fecha patria para el Rock Nacional/Argentino; hoy es el cumpleaños de Luis Alberto Spinetta. Debido a esto, este día haré un recorrido alrededor de mi disco preferido del Rock Nacional, el álbum debut de Invisible.

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Cuando comencé con este espacio, pensé en cuál sería mi primer disco de mi país sobre el cual escribir. Hubo grandes candidatos, álbumes de Crucis, Pescado Rabioso, Seru Giran, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Almendra y tantos otros; pero decidí que mi álbum preferido de mi país debía ser el primero.


Lanzado en 1974, tan sólo un año después del último disco de Pescado Rabioso, el legendario Artaud (que prácticamente es un disco solista de Spinetta), Luis Alberto debe formar un nuevo conjunto de músicos, y entonces encuentra a dos muchachitos.

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Artaud (1973) – Pescado Rabioso / Con su formato único, este uno de los más grandes discos del Rock Nacional

Esta nueva banda, con la cual haría los tres fascinantes discos que conforman la discografía de Invisible, consistía de un trio increible:

  • Machi: Bajo y voz.
  • Pomo: Batería y percusión.
  • Spinetta: Voz y Guitarras.

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El álbum comienza sin mucho sonido, hasta que de pronto empiezan a sonar pequeñas cosas, y luego aparece un sublime riff de bajo acompañado de percusión. Así comienza el primer disco de Invisible, y eso es Jugo De Lucuma.

Llega una delicada y relajante guitarra, muy jazzeada, junto a la voz de Spinetta, recitando increíble poesía como siempre. Esta canción es algo impresionante, que se esfuma de repente, tal y como cuando llegó el bajo. Entonces comienza El diluvio y la pasajera. Esta canción es preciosa, sumamente relajante e inmersiva, preciosas melodías de guitarras y poesía, nos vamos metiendo dentro de ella en estos 8 minutos que dura. A la mitad de la canción, cambia de rumbo con un solo de guitarra eléctrica impresionante, la percusión de Pomo acompañando a la canción es realmente perfecta.

Para el final vuelven las voces, dándole otros hermosos versos, es una canción realmente preciosa y sumamente variada; otra banda hubiera hecho 4 o 5 canciones con este tema.

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Entonces tenemos el final del Lado A, una canción con un riff de hard rock, similar a algunos sonidos de Black Sabbath, Suspensión. Luego de esta introducción, llega la voz del “flaco“, y la canción cambia a una melodía preciosa, que al terminar de cantar regresa ese riff tan pesado. La voz de Machi al fondo en la segunda parte cantada de la canción le da una sensación increible, un pequeño toque de psicodelia.

A la mitad de la canción, comienza una melodía completamente nueva, una preciosa guitarra lidera una parte que no tiene nada que ver con lo anterior, y con Luis utilizando una voz totalmente distinta. Luego viene un pequeño solo de guitarra, y vuelve a otro extraño verso. Una vez más, retorna el fuerte riff inicial, y concluye la canción, y con ella, el primer lado de este increible disco.

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Nos paramos, damos vuelta el disco y colocamos la pua; entonces comienza a sonar Tema de Elmo Lesto. Este breve instrumental de dos minutos y medio es el comienzo del Lado B. Una canción que muestra lo que podemos notar en todo el disco, estos tres muchachos no pueden tocar mejor, impresionante como suenan.

Luego llega otra canción, Azafata del tren fantasma, introducido por una acústica, y luego acompañada por una fenomenal batería y un bajo muy rapido. Una vez terminada esta intro, comienzan los primeros y bellos versos de la canción, con una letra realmente fascinante. Luego tenemos el estribillo, donde las voces de Machi y Spinetta se acompañan de una forma muy especial. Posterior a eso, viene una sección instrumental genial, con unos breves gritos acompañándola, es algo único. Pronto tenemos otro verso, con la guitarra sonando aún más hermosa que antes, dándole un efecto aún más grande a las inmensas palabras que suenan.

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A la mitad de la canción comienza una sección instrumental, cosa común en este disco. Con un sonido que incluso hoy, en 2018, a 44 años de cuando fue lanzado este disco, suena moderno y como si hubiera sido grabado hoy.

Regresan las voces, para un puente increible, una de las mejores partes de esta canción. Posterior a esto tenemos un impresionante solo de guitarra, con un formato de blues, volviendo a una armonía para salir y nuevamente volver, así sucesivamente. Entonces tenemos una última estrofa y llega al final esta tan remarcable canción.


Mención de honor a la voz de Machi en esta canción.


Aquí tenemos una guitarra preciosa, con un estilo que recuerda a Robert Fripp de King Crimson, pero aún así, con una estructura extraña y única. Esta sería la última canción del disco, Irregular. La canción, al igual que todo el disco, es algo único, es muy difícil encontrar siquiera una mínima similitud a otra cosa.

La canción eventualmente toma un giro, con una guitarra muy jazzeada, un solo precioso y con mucha clase, realmente perfecto todo. A la mitad de la canción llega la voz de Spinetta, para dos versos a los gritos, luego una voz calmada, con una banda acompañando también de forma relajada. Con tan solo 4  estrofas, esta letra es algo impactante y a la cual debemos prestar mucha atención.

Para el resto de canción que nos queda, tenemos una sección instrumental impresionante, algo sensacional con lo que nuestros oídos se deleitan. Pero tras acabar, es entonces que este disco llega a su fin, y así finaliza el Lado B de este viaje cósmico que es el primer disco de Invisible.


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Como estamos honrando el formato original en vinilo, para esta reseña debemos incluir el simple/single que acompañaba al álbum, dos maravillosas canciones más.

El primer lado de este single consiste en La Llave Del Mandala, una canción bastante al frente donde Machi y su bajo se comen la canción. El riff de guitarra es impresionante, y los gritos con efectos son impactantes. Esta canción no podía quedarse afuera del álbum. El estribillo es muy psicodélico, y la canción es genial.

Damos vuelta el simple y ahora es el turno de Lo Que Nos Ocupa Es Esa Abuela, La Conciencia Que Regula Al Mundo. Esta canción sigue con la potencia de La Llave Del Mandala, y personalmente la considero superior a la anterior. Sin lugar a dudas una de las mejores canciones del disco, una armonía vocal hermosa, y de la banda: ¿que decir? Suenan perfecto como a lo largo de todo este disco.

Este último tema me parece el final perfecto para todo lo que es el disco Invisible, una obra maestra de Luis Alberto Spinetta, Hector “Pomo” Lorenzo y Carlos Machi Rufino.


Personalmente considero a este disco algo único, no solo dentro del Rock Nacional, sino dentro de la música en general. Este álbum es algo impresionante, un sonido espectacular que sigue siendo fresco hoy, una obra maestra digna de revisitar constantemente, donde siempre encontraremos algo nuevo.

Un disco sumamente recomendable para todo fanático de la música.


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